tag:blogger.com,1999:blog-21849821340166431862023-11-15T23:14:03.452-08:00Los mejores pintores del mundoLa pintura tiene una magia especial, capaz de remover los cimientos del alma y mostrarnos mundos imposibles y posibles mundos. Estos artistas conocen los trucos para conmovernos.
El arte es capaz de sacar lo mejor de nosotros, por eso me gustaría que recomendaran este blog a sus conocidos y amigos. Muchas gracias.Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.comBlogger10125tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-30234590078017747972012-01-02T04:27:00.000-08:002012-01-02T04:45:01.076-08:00Antonio López<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-xSsWJmdN7Jw/TwGNGORscmI/AAAAAAAAAOQ/F57ZLuL_Ntk/s1600/antonio+lopez.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="http://3.bp.blogspot.com/-xSsWJmdN7Jw/TwGNGORscmI/AAAAAAAAAOQ/F57ZLuL_Ntk/s320/antonio+lopez.jpg" width="320" /></a></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: center;"><div style="text-align: center;"><a href="http://www.antoniolopezgarcia.blogspot.com/">www.antoniolopezgarcia.blogspot.com</a></div></div><div style="text-align: justify;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; text-align: justify;">Antonio López nació en Tomelloso, un importante núcleo rural de La Mancha, en la España interior, en 1936, pocos meses antes del comienzo de la Guerra Civil. Primogénito de cuatro hermanos, sus padres eran labradores más o menos acomodados. El destino natural del joven Antonio hubiera sido continuar esa tradición, pero su temprana facilidad para el dibujo llamó la atención de su tío Antonio López Torres, un pintor local de paisajes que le dio sus primeras lecciones. Gracias a él, obtuvo apoyo familiar para dedicarse a la pintura, y, con apenas trece años, se instala en Madrid para preparar el ingreso en la Escuela de Bellas Artes.</span></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-bK6H6F7uCUs/TwGmtMeNV-I/AAAAAAAAAQU/IcPMIDukZ4Y/s1600/antoniolopez-mis+padres.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="273" src="http://4.bp.blogspot.com/-bK6H6F7uCUs/TwGmtMeNV-I/AAAAAAAAAQU/IcPMIDukZ4Y/s320/antoniolopez-mis+padres.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mis padres</td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; text-align: justify;"><br />
</span></div><div style="text-align: right;"></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-cS8C4QqTg1o/TwGgCKZlraI/AAAAAAAAAO0/wC0rIthM-ck/s1600/antoniolopez-retrato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><img border="0" height="234" src="http://3.bp.blogspot.com/-cS8C4QqTg1o/TwGgCKZlraI/AAAAAAAAAO0/wC0rIthM-ck/s320/antoniolopez-retrato.jpg" width="320" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Antonio y Mari (1961)</span></td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Entre 1950 y 1955 lleva a cabo los estudios de Bellas Artes de forma brillante, acaparando buen número de premios. De la Escuela proceden sus amistades en el mundo de las artes; allí coincidiría con María Moreno -también pintora, con la que se casará en 1961-, Lucio Muñoz o Enrique Gran -cuya carrera ha discurrido después ligada a la abstracción-, así como con los escultores Julio y Francisco López Hernández. Estos dos últimos, junto con Amalia Avia, Isabel Quintanilla y el propio Antonio López, integran un grupo realista afincado en Madrid que empieza a ser reconocido como tal a partir de los años sesenta, por más que ellos insistan siempre en que su relación es amistosa más que programática. El Madrid de la posguerra estaba muy aislado del panorama internacional de las artes y la cultura, y toda la información a la que tiene acceso Antonio López en esa época sobre arte moderno -y buena parte del antiguo- se reduce a escasos libros ilustrados de la biblioteca de la Escuela o procedentes de Argentina que los jóvenes inquietos pasaban de mano en mano; así debió de conocer por vez primera la obra de Picasso y otros grandes artistas de la vanguardia histórica. En 1955, una beca le permite viajar a Italia con Francisco López y allí surge una cierta decepción ante la pintura italiana del Renacimiento -por la que hasta el momento sentía gran interés-, revalorizando la pintura española que había podido ver a sus anchas en el Museo del Prado, especialmente Velázquez, una referencia constante, junto con Vermeer, de su concepción artística.</span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj79Ui38rSv0pJr-hi6fHNXQkMOTuy_KuBJHTH_8B0YReu0hlwm8YYDmRZZXeLGFPC2UjFjxT-5z3mJ8WtP9LvykbzaMIOg33zHmv_StWXGDLTPPqaisl5m_8i6Miz2b0lH1WsHdCim2WA/s1600/antonio+lopez-granvia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj79Ui38rSv0pJr-hi6fHNXQkMOTuy_KuBJHTH_8B0YReu0hlwm8YYDmRZZXeLGFPC2UjFjxT-5z3mJ8WtP9LvykbzaMIOg33zHmv_StWXGDLTPPqaisl5m_8i6Miz2b0lH1WsHdCim2WA/s320/antonio+lopez-granvia.jpg" width="301" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Gran Vía</span></td></tr>
</tbody></table><div style="text-align: center;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">La rotunda definición de los volúmenes en sus primeras obras -Josefina leyendo (1953)- acusa esa influencia del quattrocento italiano. La preocupación por la solidez plástica y la composición precisa le lleva también a interesarse por Cézanne y el cubismo -Mujeres mirando los aviones (1954)-, en temas relacionados siempre con su entorno familiar en Tomelloso. A partir de 1957, su obra registra un cierto giro surrealizante: figuras y objetos que flotan en el espacio, imágenes sacadas de contexto que se relacionan de forma conflictiva empiezan a poblar sus cuadros. El lenguaje, sin embargo, sigue vinculado a ese clasicismo táctil y volumétrico de sus primeras obras. La veta fantástica se mantiene al menos hasta 1964 -todavía es muy perceptible en Atocha, terminado ese año-, aunque, desde 1960, pierde intensidad; por una parte, cada vez son menos los cuadros en los que se recurre a esos mecanismos y, además, Antonio López muestra un creciente interés por la fidelidad en la representación, independientemente de la carga narrativa contenida en ella. Es como si el pintor fuera cada vez más dependiente del motivo, como si necesitara tenerlo delante para recrearlo en sus mínimos detalles. Esa doble vertiente de su pintura de aquellos años trajo aparejada su adscripción por la crítica a lo que, sobre todo en las décadas de los sesenta y setenta, se llamaba realismo mágico, una denominación que al artista siempre le ha parecido redundante. Lo cierto es que sus cuadros y dibujos se acercan cada vez más, como ha escrito Brenson, a "ese sentido de la densidad de lo que llamamos el mundo visual", y que resulta una recreación minuciosa y casi obsesiva del motivo.</span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-f-HbvZyCXqc/TwGg4YLep3I/AAAAAAAAAPk/ew9xjq_w7uw/s1600/antoniolopez-lavabo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-f-HbvZyCXqc/TwGg4YLep3I/AAAAAAAAAPk/ew9xjq_w7uw/s320/antoniolopez-lavabo.jpg" width="248" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Lavabo (1971)</span></td></tr>
</tbody></table><div style="text-align: center;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">A las calles de Tomelloso las suceden las vistas panorámicas de Madrid, la primera de las cuales data de 1960, que irán constituyendo después uno de los capítulos más conocidos y asombrosos de su producción. Su obra empieza a ganar reputación, primero nacional -en 1961 celebra su primera muestra individual en una galería comercial de Madrid- y enseguida internacional -en 1965 y 1968 expone en la Staempfli Gallery de Nueva York-. Como en los inicios de su carrera, Antonio López sigue fiel a los temas cercanos -escenas caseras, imágenes de su mujer y sus dos hijas, objetos anónimos y humildes del entorno doméstico, espacios desolados, imágenes de su jardín-, pero su presencia es cada vez más intensa, más precisa y, al tiempo, más enigmática. La ejecución de los cuadros se dilata -hay obras en las que ha trabajado a lo largo de más de veinte años, hasta abandonarlas en un estadio que el artista no acaba nunca de considerar definitivo-, por lo que, a pesar de una dedicación constante y exhaustiva, su producción es corta en número.</span></div></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Durante la mayor parte de su carrera, Antonio López ha trabajado prácticamente solo, en medio de un panorama artístico dominado primero por la abstracción y el informalismo y luego por las corrientes conceptuales. En los años sesenta y buena parte de los setenta su prestigio crece de manera silenciosa pero efectiva, exponiendo poco, pero con éxito cada vez mayor. Ni siquiera es posible establecer vínculos muy convincentes entre su obra y las nuevas tendencias figurativas europeas o el hiperrealismo americano. Hasta los años ochenta las exposiciones individuales han sido escasas: París y Turín en 1972, y París, de nuevo, en 1977. En 1985 coincide su primera antológica en el Museo de Albace con una retrospectiva en Bruselas en el marco de Europalia '85, que ese año se dedicó a España. Un año después, dos nuevas muestras en Nueva York y Londres son el pórtico de la gran antológica celebrada en 1993 en el Museo Reina Sofía de Madrid, definitiva consagración de una talla universal que estaba reconocida ya desde hace años.</span></div></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Antonio López García es seguramente el pintor y escultor más importante que haya dado el Realismo español de los últimos cien años.</span></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Estamos ante un artista que retrata la vida cotidiana y los rostros y paisajes que le rodean con una fidelidad y profundidad sólo comparables con su extraordinario lirismo. Considerado uno de los máximos exponentes del Hiperrealismo del siglo XX, Antonio López siempre ha creído que la fuente máxima de creatividad es la libertad y que incluso en las civilizaciones atrapadas por costumbres y religiones asfixiantes es posible alguna clase de libertad expresiva. </span></div></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-lMV3exzJ7WA/TwGh-sKRjmI/AAAAAAAAAPw/LrJm_0C5QIw/s1600/antoniolopez-mujer-en-la+ba%25C3%25B1era.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><img border="0" height="208" src="http://4.bp.blogspot.com/-lMV3exzJ7WA/TwGh-sKRjmI/AAAAAAAAAPw/LrJm_0C5QIw/s320/antoniolopez-mujer-en-la+ba%25C3%25B1era.jpg" width="320" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Mujer en la bañera</span></td></tr>
</tbody></table><div style="text-align: center;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Sus trabajos son muy minuciosos y transmiten una melancolía que sorprende en escenas tan prosaicas. La crítica relacionó sus primeras pinturas con el Realismo Mágico, aunque esa apreciación seguramente adolece de la misma inexactitud con que otros especialistas establecieron posteriores relaciones con el Ultrarrealismo. La obra de Antonio López es demasiado personal para ser clasificada sin titubeos. </span></div></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Antonio López recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1985 y tiene también el Premio Velázquez de Artes Plásticas desde 2006. Siendo uno de los escasos artistas de su generación que no optó por la Abstracción, no deja de interesarse por las nuevas tendencias en el Arte porque nunca tuvo la sensación de que la novedad tenga que suponer un peligro para las cosas importantes, sino todo lo contrario. Él dice que “el lenguaje de la pintura ha ido haciéndose más complejo porque el mundo también se ha vuelto así”.</span></div></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/aBai2-1fPG0?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Documental sobre Antonio López parte 1</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://3.gvt0.com/vi/S_FtDXYYbgs/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/S_FtDXYYbgs&fs=1&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><embed width="320" height="266" src="http://www.youtube.com/v/S_FtDXYYbgs&fs=1&source=uds" type="application/x-shockwave-flash"></embed></object></div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Documental sobre Antonio López parte 2</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/5oxWV04S688?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Antonio López, reportaje de TVE</span></div></div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-74735132925900568672011-12-10T02:27:00.000-08:002013-12-23T02:07:44.815-08:00Salvador Dalí<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-InCkrUBPxkw/TuMcjkaya4I/AAAAAAAAALg/DSnaE0wukOU/s1600/Salvador_Dali-autorretrato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-InCkrUBPxkw/TuMcjkaya4I/AAAAAAAAALg/DSnaE0wukOU/s320/Salvador_Dali-autorretrato.jpg" width="250" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<a href="http://www.salvador-dali.org/">www.salvador-dali.org</a></div>
<div style="text-align: center;">
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1904: Nació en el número 20 de la calle Monturiol, Figueras, Gerona (España), el 11 de mayo, a las 8 horas y 45 minutos de la mañana, como Salvador, Domingo, Felipe, Jacinto Dalí, hijo de Salvador Dalí i Cusí, notario, y e Felipa Doménech. </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-NDNKBrn3E5c/TuMsH22jPTI/AAAAAAAAAL4/z5kamxCXUgM/s1600/salvador_dali-casadefamilia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="208" src="http://2.bp.blogspot.com/-NDNKBrn3E5c/TuMsH22jPTI/AAAAAAAAAL4/z5kamxCXUgM/s320/salvador_dali-casadefamilia.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Casa de familiares en Llanes (1918)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1911: Escuela pública. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1913: Estudios en los Hermanos de la Doctrina Cristiana. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1914: Primera pintura. Autorretrato: Niño enfermo. Convalecencia en casa de los Pichot, amigos de la familia Dalí; Salvador queda sorprendido por la pintura impresionista de Ramón Pichot. A los diez años, entra como alumno en el colegio de los Maristas de Figueras. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1916: Dalí sigue los cursos de dibujo del profesor Juan Núñez, a quien venera. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1918 - 1919: Su pintura parece influida por Modesto Urgell, Ramón Pichot, Mariano Fortuny y algunos pintores realistas del siglo XIX. Es tentado por el impresionismo y por el puntillismo. Lee la revista L'Esprit nouveau y descubre el cubismo y a Juan Gris. Expone dos cuadros, con treinta artistas locales, en el teatro de Figueras. Los críticos alaban sus obras. Realiza un cartel para la fiesta de Figueras: Fires i Festes de la Santa Creu. </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-flicJi6WJPg/TuMstn8hQ1I/AAAAAAAAAMA/EEn2js6N6zQ/s1600/Salvador_dali-Cadaques.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="311" src="http://4.bp.blogspot.com/-flicJi6WJPg/TuMstn8hQ1I/AAAAAAAAAMA/EEn2js6N6zQ/s320/Salvador_dali-Cadaques.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cadaqués visto desde la Torre de les Creus (1923)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">"...descubría el cubismo y me apasionaba por Juan Gris a través de los artículos de la revista "L'Espirit Nouveau", a la cual estaba suscrito. Devoraba los libros. Después de asistir a las clases de los Hermanos de las escuelas Cristianas, había entrado en la de los Maristas para seguir mis estudios secundarios. Pero al margen del programa, yo leía con pasión a Nietzsche, el Diccionario filosófico de Voltaire, y sobre a todo a Kant, cuyo imperativo categórico me parecía incomprensible y me sumía en profundas reflexiones. Rumiaba mucho tiempo sobre los textos de Spinoza y de Descartes. Acumulaba así buena cantidad de material especulativo y sembraba los gérmenes de reflexión profunda que un día debían constituir la base de mi metodología filosófica. Mis ideas eran todavía cortas, aunque mis cabellos y mis patillas se habían hecho largos. Para contrastar todavía más con mi rostro delgado y oliváceo, llevaba una corbata de lazo. Mi atuendo lo formaba una blusa de marinero y unos pantalones anchos con bandas hasta las rodillas. Una pipa de espuma, cuya cazoleta representaba una cabeza de árabe de amplia sonrisa, y una aguja de corbata montada con una moneda griega eran mis adminículos usuales. Mi atuendo causaba sensación y mi talento intrigaba".</span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-y71D3Kbvo-U/TuMrV37vg_I/AAAAAAAAALw/rZKzHrZmfCQ/s1600/salvador-dali_mujerventana.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://3.bp.blogspot.com/-y71D3Kbvo-U/TuMrV37vg_I/AAAAAAAAALw/rZKzHrZmfCQ/s320/salvador-dali_mujerventana.jpg" width="227" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mujer mirando por la ventana (1925)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1919: Entre enero y junio, edita con unos compañeros la revista Studíum, donde lleva la sección de los grandes maestros de la pintura. Comienza a pintar a la aguada. Participa en la agitación política estudiantil. Queda detenido por veinticuatro horas. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1920: Su pintura recibe la influencia de los futuristas italianos. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1921-1922: Frecuenta la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, escuela de pintura, de escultura y de dibujo en Madrid. Conoce a García Lorca y a Luis Buñuel. Pasa de una vida monacal y estudiosa y de una actitud vestimentaria de «artista», a la existencia y a los trajes de dandy. Pinta clásicamente: Retrato de mi tía, El paseo del vergel en Cadaqués, Autorretrato del artista en su caballete, Autorretrato con cuello de Rafael, Botijo. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">En octubre, expone ocho telas en Galerías Dalmau de Barcelona, en una exposición de jóvenes artistas de la Escuela de Bellas Artes. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1923: Es influido por la escuela metafísica de los pintores italianos: Giorgio De Chirico y Carlo Carra. Es expulsado por un año de la Escuela de San Fernando por incitar a los estudiantes a protestar contra el nombramiento de un profesor. Como medida de prevención política, se le encierra durante un mes en la prisión de Figueras. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1924: Ilustraciones para Les bruixes de Llers, de Fages de Climent. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pasa las vacaciones en Cadaqués con García Lorca. </span></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1925: Retorno a la Escuela de San Fernando. Del 14 al 27 de noviembre, primera exposición personal en Galerías Dalmau (diecisiete telas y cinco dibujos). Retratos de su padre, de su hermana, paisajes de Cadaqués. (En el programa cita esta frase de Ingres: «El dibujo es la probidad del arte»). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Experiencia cubista: pinta Arlequín, Botellita de Mujer acostada y Venus Y el marino. </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-bvnKcZVVv-M/TuMtyRe7iGI/AAAAAAAAAMI/2qDM1HWaNrM/s1600/Salvador_dali-muchachafigueras.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="307" src="http://3.bp.blogspot.com/-bvnKcZVVv-M/TuMtyRe7iGI/AAAAAAAAAMI/2qDM1HWaNrM/s320/Salvador_dali-muchachafigueras.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Muchacha de Figueras (1926)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1926-1927: Es expulsado definitivamente de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando por real decreto del 20 de octubre de 1926, debido a su comportamiento extravagante, pese a que sus notas son excelentes. Olvida deliberadamente sus maletas en Madrid, para cortar con su reciente pasado. Del 31 de Diciembre de 1926 al 14 de Enero de 1927, segunda exposición en Galerías Dalmau (veinte telas y siete dibujos). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1926-1929: Contribución al periódico L'Amic de les Arts (Gazeta de Sitges). Pinta una Muchacha del Ampurdán, de nalgas rodantes, que llevará más tarde a París para mostrársela a Picasso, y una Cesta de pan, expuesta en Dalmau, que será escogida y enviada al Instituto Carnegie de Pittsburgh.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1927: Nueve meses de servicio militar de «cuota». Primer viaje a París, con su hermana y su tía. </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-uGxXZcaZ1LA/TuMvByp2QoI/AAAAAAAAAMQ/oMzSBZQ1d3A/s1600/salvador_dali-pajaroputrefacto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="198" src="http://3.bp.blogspot.com/-uGxXZcaZ1LA/TuMvByp2QoI/AAAAAAAAAMQ/oMzSBZQ1d3A/s320/salvador_dali-pajaroputrefacto.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Pájaro putrefacto (1928)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Visita Versalles, el Museo Grévin, y conoce a Picasso. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pinta el Arlequín, la Naturaleza muerta al claro de luna y los decorados para la obra de García Lorca, Mariana Pineda además de La miel es más dulce que la sangre, primera tela surrealista, bautizada primero por García Lorca como El bosque de los aparatos.</span></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1934: El 6 de octubre, en el transcurso de una conferencia en Barcelona, coincide con la «declaración del Estat Catalá dentro de la República federal Española». </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Huye de Cataluña junto con Gala y el marchante Dalmau. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Del 24 de Noviembre al 10 de Diciembre, primera exposición en Londres, en la </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Galería Zwemmer (dieciséis telas, veinte dibujos, diecisiete grabados).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Un conflicto con André Breton provoca su condena por el movimiento surrealista. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Ilustra, con 42 grabados, por indicación de Picasso, Les Chants de Maldoror, de Lautréamont (Skira). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Primer viaje a Nueva York: edita una serie de ilustraciones dedicadas a la ciudad, que aparecen en el American Weekly del 24 de febrero al 5 de julio. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pinta Violetas imperiales, El momento sublime, Caballo ciego masticando un teléfono. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">De regreso a Portlligat, pinta Imagen mediúmnica paranoica. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Importante contribución a los Cahiers d'Art y particularmente «Honneur á I'objet». (Aparecido en el Vol. XI, núms. 1 y 2 de 1936.) </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pinta Figuras instantáneas aparecidas en la playa de Rosas. </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-85J6yuz_Luo/TuMvj1hc5eI/AAAAAAAAAMY/tNcLjXiRnEk/s1600/salvador_dali-laimagendesaparece.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-85J6yuz_Luo/TuMvj1hc5eI/AAAAAAAAAMY/tNcLjXiRnEk/s320/salvador_dali-laimagendesaparece.jpg" width="295" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La imagen desaparece (1938)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Expresa una gran curiosidad por Lenin y un renovado interés por el Angelus de Millet. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Se interesa por Hitler y por el teléfono. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1935: Con La conquéte de I'irrationnel (Editions Surréalistes) define la actividad paranoico-crítica como «método espontáneo de conocimiento irracional basado en la asociación crítico-interpretativa del fenómeno delirante». </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1936: En Agosto recibe la noticia de la muerte de Lorca. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pinta: Retrete antropomórfico, Alrededores de la ciudad paranoio-crítica, Tarde al margen de la historia europea, e inventa la Venus de Milo con cajones. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Segundo viaje a Estados Unidos: la portada del Time's Magazine aparece dedicada a él. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Realiza un escaparate para los grandes almacenes Bonwit-Teller que más tarde se encarga de destruir, en un arranque de rabia, al comprobar que han cambiado la disposición original por él ideada. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Una grave crisis psíquica parece trastornar la existencia de Dalí en esta época. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Parte para Portlligat y luego Austria. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">"Lorca no era miembro de ningún partido. En Agosto del 36, cerca de Granada, fue literalmente raptado. No se encontraron ni su cuerpo ni su tumba, como el mismo había predicho en un poema. El terror de la más horrible pesadilla extendía su garra de hierro por todo el país. Cerré los ojos y me tapé las orejas para no saber nada, pero la historia de las más terroríficas atrocidades siempre conseguía llegar hasta mí y acosarme como una pesadilla". </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-rtS92xbg1Q4/TuMwlT3-5qI/AAAAAAAAAMg/Q_NJmPMn_eQ/s1600/Salvador_dali-retratopicasso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://1.bp.blogspot.com/-rtS92xbg1Q4/TuMwlT3-5qI/AAAAAAAAAMg/Q_NJmPMn_eQ/s320/Salvador_dali-retratopicasso.jpg" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Retrato de Picasso (1947)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1937: Los alemanes bombardean Almería. Picasso pinta Guernica. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí pinta El sueño. Publica La Métamorphose de Narcisse (Editions Surréalistes) y un poema paranoico que ilustra su cuadro a doble imagen del mismo título. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1937-1939: Tres viajes a Italia. Reside con el poeta F. W. Janes en Roma; luego, en Roma mismo, con lord Berners, y después en Florencia. Estudia a Palladio. Dalí queda muy influido por los pintores del Renacimiento y de la época barroca. Pinta El corredor de Palladio, y luego Recuerdos de Africa, El enigma sin fin, La playa encantada con tres gracias fluidas y Gala gradiva. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí conoce en Londres a Sigmund Freud, presentado por Stefan Zweig. Dibuja el retrato del gran psicoanalista sobre papel secante. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1939: Tercer viaje a Estados Unidos. Dalí adquiere celebridad internacional al pasar a través del escaparate de Bonwit-Teller para protestar contra la modificación llevada a cabo en su escaparate. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Publica un folleto: Declaración de "Independencia de la imaginación y de los derechos del hombre a su propia locura" para defender su sustitución de una cabeza de pescado sobre el torso de Botticelli en El sueño de Venus, decorado surrealista para la atracción creada por Dalí en la Feria Universal de Nueva York ese año. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Representa, en el Metropolitan Opera, el ballet Bacchanal con decorados y trajes concebidos por Dalí para los ballets de Montecarlo. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Hitler invade Polonia.</span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-qaaycdsM5os/TuMxEWvt3BI/AAAAAAAAAMo/sn09Uhk_tuU/s1600/Salvador_dali-galarina.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://1.bp.blogspot.com/-qaaycdsM5os/TuMxEWvt3BI/AAAAAAAAAMo/sn09Uhk_tuU/s320/Salvador_dali-galarina.jpg" width="242" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Retrato de Gala (1945)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí se instala en Arcachon. Marcel Duchamp y Coco Chanel lo visitan. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1940: Cuando los alemanes invaden Francia, pasa a España y visita a su padre: luego, desde Lisboa, a bordo del paquebote Excemption, parte para Estados Unidos, donde permanece hasta </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Comienza a pintar La resurrección de la carne, que tardará cinco años en terminar. Pinta Autorretrato blando con tocino asado, que traduce su nueva fórmula de vida americana. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1941-1942: De noviembre a enero, primera gran exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Nueva York (cuarenta y tres cuadros y diecisiete dibujos). De febrero de 1942 al 17 de mayo de 1943, esa misma exposición será presentada en ocho grandes ciudades americanas. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí concibe los decorados para varios ballets: Labyrinth (1941), El café de Chinitas(1944), Coloquio sentimental y Tristán loco (1944). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1942: Escribe su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí (Editor: The Dial Press). </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-N0hVxjx6IWk/TuMxrQlkP_I/AAAAAAAAAM4/BQFfsY8n31M/s1600/salvador_dali-autorretrato2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-N0hVxjx6IWk/TuMxrQlkP_I/AAAAAAAAAM4/BQFfsY8n31M/s320/salvador_dali-autorretrato2.jpg" width="265" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Autorretrato blando con bacon frio (1941)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1943: Del 14 de abril al 5 de mayo, exposición de veintinueve obras presentadas por Knoedler, en Nueva York. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí termina los proyectos de tres frescos para el apartamento neoyorquino de Helena Rubinstein. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1944-1948: Publica su novela Los rostros ocultos (The Dial Press). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Ilustra numerosos libros: Mémoires fantastiques (1944), The Labyrinth (1945) de Maurice Sandoz, Macbeth (1946), Ensayos de Michel de Montaigne (1947), Como os gusté (1948), Autobiografía de Benvenuto Cellini (1948). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1946-1965: Publica cuatro series de ilustraciones para Don Quijote, que aparecen entre 1946 y 1965. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1948: Ilustra Cincuenta secretos del oficio de mago. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pinta Niño geopolítico observando el nacimiento del hombre nuevo. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Luego, tras la explosión de la bomba atómica pinta Melancolía atómica, Dorso desnudo, Galarina. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1948: Regreso a Europa, directamente a Portlligat. Comienza unos estudios para lo que él llama su «arte clásico y religioso». </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1948-1949: Primeras telas religiosas. Dos versiones de La Madona de Portlligat. La primera de ellas fue bendecida por el Papa. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1951: Pinta el Cristo de san Juan de la Cruz, actualmente en el museo de Glasgow (Escocia). </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-NCbtyuspI1o/TuMp4tVM_EI/AAAAAAAAALo/a5aQOi7FEwU/s1600/salvador_dali_elcristodesanjuancruzbj8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://1.bp.blogspot.com/-NCbtyuspI1o/TuMp4tVM_EI/AAAAAAAAALo/a5aQOi7FEwU/s320/salvador_dali_elcristodesanjuancruzbj8.jpg" width="177" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cristo de San Juan de la Cruz (1951)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Escribe y publica el Manifeste Mystique (Editions Robert Godet). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1952: Termina las ciento dos ilustraciones para La Divina Comedia de Dante. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Emprende una gira de conferencias por siete estados americanos, sobre «El arte místico y nuclear». </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pinta Leda atómica, Dalí a la edad de seis años cuando creía ser una niña en trance de levantar la piel del agua para ver un perro dormir a la sombra del mar, Cúpula formada con carretillas distorsionadas, Cabeza rafaélica explotando, Galatea en las esferas, Assumpta corpuscularia lapislazulina, Poesía de América. Comienza la escritura de una obra de teatro, Delirio erótico místico. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Escribe las Ciento veinte jornadas de Sodoma del divino marqués al revés, en homenaje al marqués de Sade.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1965: Serie de ilustraciones para una nueva edición de la Biblia. Período de La Estación de Perpiñán. Trabaja sobre El arte en tres dimensiones, y crea su primera gran escultura: Busto de Dante. Medita sobre los hologramas y el rayo láser. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">"Cuando supe que un átomo de emulsión holográfica contenía la imagen entera de la tercera dimensión, incontinente, exclamé: "¡quiero comérmelo!" Esto ha asombrado más que de ordinario a todo el mundo, y sobre todo a mi amigo el profesor Dennis Gabor, premio Nobel de física en 1971. De esa manera, yo podía realizar, al menos en efigie, uno de mis más caros deseos: comer el ser adorado Gala, ingerir en mí, en mi organismo, unos átomos que contuvieran unas Galas holográficas sonrientes, nadando en el cabo de Creus". </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-gu5S4F9EVKw/TuMyWs7PNRI/AAAAAAAAANA/3ijzve6fi1Y/s1600/Salvador_dali-galateadelasesferas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://3.bp.blogspot.com/-gu5S4F9EVKw/TuMyWs7PNRI/AAAAAAAAANA/3ijzve6fi1Y/s320/Salvador_dali-galateadelasesferas.jpg" width="262" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Galatea de las Esferas (1952)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1966: La más grande retrospectiva de obras de un solo artista viviente la hace Salvador Dalí en la Galería de Arte Moderno de Nueva York. Crea una serie de objetos pop: Esclavo de Miguel Ángel, Lilith, Smoking afrodisíaco, Primera máquina pensante. Publicación de Entretiens de Salvador Dalí avec Alain Bosquet. (Editions Pierre Belfond.) Escribe una Lettre ouverte á Salvador Dalí (Editions Albin MicheL). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Termina el gran cuadro La pesca del atún. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Ilustra los Poémes secrets de Guillaume Apollinalre, Alyah, Poeme de Mao-Tse-toung, Huit péchés capitaux. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Publicación de La Biblia, ilustrada por Dalí (Rinoli). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1968: Edición del Dalí de Draeger. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí ilustra a Pierre de Ronsard, y tres piezas inéditas del marqués de Sade. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Publicación de las Passions selon Dali, por Louis Pauwels. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1969: Dalí ilustra las Métamorphoses érotiques, Fausto, Tristán e Isolda, Carmen. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pinta Torero alucinógeno. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1970: Comienza los «trabajos» del Museo Dali de Figueras. Dalí edita Dali, par Dali (Draeger), Importante retrospectiva que comprende la colección Edwards W. James, en el Museo Boymans de Rotterdam. </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-BAVSPckANQc/TuMy-qsF3EI/AAAAAAAAANI/jRlY4cVsqvI/s1600/Salvador_dali-lapiedad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-BAVSPckANQc/TuMy-qsF3EI/AAAAAAAAANI/jRlY4cVsqvI/s320/Salvador_dali-lapiedad.jpg" width="314" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Eco geológico La pietá (1981)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1971: Inauguración del Museo Dalí de Cleveland (Beachwood), Ohio, el 7 de, marzo. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Retrospectiva en la Staadliche Kunsthanne, Baden Baden. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Publicación de una antología de todos los escritos de Dalí bajo el título Oui, Dali (Denoél). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí ilustra la última obra de André Malraux: Roi, je t'attends á Babylone (Skira). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí termina el segundo gran panel del techo del Museo Dalí de Figueras. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Exposición de grabados de Dalí Homenaje a Durero, en la Galería Vision Nouvelle de París. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí termina los techos del castillo de Gala. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1972: Primera exposición de pinturas al óleo y de hologramas en tres dimensiones en la Galería Knoedler de Nueva York. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí esculpe Plato de Navidad, para Lincoln Mint. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí se consagra al grabado. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1974: Inauguración solemne y oficial del Teatro-Museo Dalí, en Figueras.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1978: Estreno de la película "Babaouo" en el teatro del Museo Dalí de Figueras, basado en el libro del mismo título (1932). </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-72UTCU7yryk/TuN9SEcErZI/AAAAAAAAANQ/nx74_6BIBsk/s1600/salvador_dali-torero2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://1.bp.blogspot.com/-72UTCU7yryk/TuN9SEcErZI/AAAAAAAAANQ/nx74_6BIBsk/s320/salvador_dali-torero2.jpg" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El torero alucinógeno (1970)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dalí descubre los trabajos de René Thomm y la teoría de las catástrofes. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Abril: Presenta sus pinturas hiperestereoscópicas en el museo Guggenheim. En Mayo es aceptado en la Academia de Bellas Artes de París. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">"El payaso no soy yo sino esta sociedad monstruosamente cínica y tan puerilmente inconciente, que juega al juego de la seriedad para disimular su locura. No lo repetiré bastante: yo no estoy loco. Mi lucidez ha alcanzado un nivel de calidad y de concentración que no existe en este siglo ninguna otra personalidad más heroica y más prodigiosa; excluyendo a Nietzsche (y repito, murió presa de la locura) no se encuentra un equivalente en los otros. Mi pintura es testimonio de ello". </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1979-1980: Retrospectivas en el Centro Georges Pompidou de París que muestra la instalación "La feria heroica" y en la Tate gallery de Londres. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1982: El 10 de Junio muere Gala. Un mes más tarde Dalí es nombrado Marqués de Pubol, donde vive en lo sucesivo, en el castillo que había ofrecido a Gala. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1983: Creación del perfume Dalí </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Retrospectivas en Madrid y Barcelona. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">En Mayo pinta su ultimo cuadro "La cola de golondrina". </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Su salud empeora considerablemente. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1984: Dalí sufre quemaduras al incendiarse su dormitorio en el castillo de Pubol lo que despierta dudas en la opinión pública mundial sobre el cuidado que recibe el pintor por parte de sus más cercanos colaboradores. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Se publica el libro "Dalí, la obra y el hombre" de Robert Descharnes. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Retrospectiva en el Pallazo dei diamanti de Ferrara en Italia. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">1989: Muere el lunes 23 de Enero en la Torre Galatea, en la que vivió desde el incendio en Pubol. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Reposa en la cripta de su Teatro Museo de Figueras. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;">Por testamento, cede el conjunto de sus bienes y de su obra al estado Español.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://1.gvt0.com/vi/DREePfBA_ik/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/DREePfBA_ik&fs=1&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><embed width="320" height="266" src="http://www.youtube.com/v/DREePfBA_ik&fs=1&source=uds" type="application/x-shockwave-flash"></embed></object></div>
<div style="text-align: center;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Cortometraje "un perro andaluz" realizado junto con su amigo Luis Buñuel en 1929</span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/lrrZ3c6aS7I?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Animación "Destino" realizada en colaboración con Walt Disney en los años 40</span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/L2WJu32WxAw?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Amplia entrevista de Soler Serrano a Dalí</span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/x4owiAXPwLs?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">Documental sobre Dalí</span></span></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></div>
Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-7097105953292713212011-09-23T09:18:00.000-07:002011-09-23T09:18:50.795-07:00Leonardo da Vinci<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-di0sDwe9SJQ/Tnysj3aaK4I/AAAAAAAAAI4/PqwtLfF1hR0/s1600/vincisuportarretrato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" hca="true" height="320px" src="http://3.bp.blogspot.com/-di0sDwe9SJQ/Tnysj3aaK4I/AAAAAAAAAI4/PqwtLfF1hR0/s320/vincisuportarretrato.jpg" width="228px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Autorretrato</td></tr>
</tbody></table><br />
<div style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci">http://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci</a></span></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Leonardo Da Vinci es uno de los grandes maestros del Renacimiento famoso como pintor , escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Encantado por el conocimiento y la investigación, sus innovaciones en la pintura determinarían la evolución del arte italiano, siendo sus investigaciones científicas sobre anatomía, óptica e hidráulica anticipos de los avances modernos"</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Leonardo Da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en Vinci era hijo ilegítimo de Ser Piero Di Antonio Da Vinci y de una campesina llamada Caterina, en el mismo año de su nacimiento su padre contraería matrimonio con Albiera di Giovanni Amadori, mientras que su madre biológica en 1457 se casaría con Acuattabriga di Piero Del Vacca.</span></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-5pRGcQ9mpSI/Tnysxo6GTXI/AAAAAAAAAI8/Ks731B81BSg/s1600/vincilagiaconda.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" hca="true" height="320px" src="http://2.bp.blogspot.com/-5pRGcQ9mpSI/Tnysxo6GTXI/AAAAAAAAAI8/Ks731B81BSg/s320/vincilagiaconda.jpg" width="220px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La Mona Lisa</td></tr>
</tbody></table><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Comienza su aprendizaje en el taller de Andrea Verrochio, quien se destacaría más como escultor que como pintor, y posee en Florencia uno de los Talleres de Pintura más sobresalientes.<br />
Hacia 1469 ya a temprana edad eran de destacar sus cualidades para el dibujo, su talento para este arte nos ha permitido observar hoy su maravilloso legado en cantidad de dibujos realizados por su ágil mano. Manejó de forma extraordinaria la punta de metal y la pluma hecho que se verifica por sus primeras obras realizadas en los años 70 (setenta) del siglo XV.<br />
Los primeros trabajos de este tipo pueden haber sido realizados en el taller de Verrochio durante los años de su aprendizaje, pudiendo ser este el caso del dibujo de un lirio, que se supone es una obra de taller que se emplearía probablemente en un futuro cuadro, de la misma forma ocurriría con el dibujo de un viejo guerrero de perfil efectuado con estilete de plata realizado, se estima en 1472, de inspiración en los modelos antiguos, de hecho se cree se basaban en aquella época en modelos escultóricos para la realización de los dibujos, que de ese modo facilitaban el estudio detallado de los ropajes para posteriormente utilizarlos en las representaciones de sus cuadros. El hecho de que fueran modelos realizados meticulosamente y con diferentes técnicas sobre un lienzo resistente permitiría su uso posterior para los nuevos aspirantes al oficio de pintor. </span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1472 Leonardo Da Vinci entra a formar parte del Gremio de los Pintores de San Lucas en Florencia quedando así facultado para recibir encargos independientemente de su maestro.</span></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-mrU3-vOW1q0/Tnys-VFRAoI/AAAAAAAAAJA/6LdfOi9qZZo/s1600/vinciproporcionesdelhombre.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" hca="true" height="320px" src="http://4.bp.blogspot.com/-mrU3-vOW1q0/Tnys-VFRAoI/AAAAAAAAAJA/6LdfOi9qZZo/s320/vinciproporcionesdelhombre.jpg" width="237px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Proporciones del Hombre</td></tr>
</tbody></table><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Realiza en 1473 un importante dibujo fechado el 5 de agosto de dicho año, que es hoy considerado como la primera representación autónoma de un paisaje en el arte.<br />
En el siglo XV los artistas realizaban estudios de la naturaleza, así como de los modelos, para aplicarlos después a sus pinturas. El dibujo de Leonardo es conservado hoy en los Uffizi en la ciudad de Florencia, el paisaje reflejaría el valle del Arno y fue primeramente dibujado a lápiz y posteriormente en el taller fue terminado en plumilla.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Aún en 1472 y hacia 1480 seguía trabajando en el taller de su maestro Verrochio donde participa en la realización del cuadro titulado el "Bautismo de Cristo" que es obra de su maestro, la pintura se realizaría en dos etapas la primera con pintura al temple efectuada por Verrochio y la segunda al óleo realizada por Leonardo quien retoca la imagen de Cristo, que contrasta con la de Juan Bautista realizada por su maestro, por la delicadeza de los pases de color y además es donde pinta un ángel a la perfección, cuyos contornos difuminados contrastan con los mas marcados de Verrochio, así mismo ocurre con la vestimenta del ángel formando pliegues, hecho que sostiene la anécdota que dice que Verrochio habría dejado por tal motivo la pintura, pero esto no se podría confirmar, además existen algunos pocos cuadros posteriores a dicho evento. En el cuadro se notan las diferencias de estilo y de técnica entre Da Vinci y Verrochio, aunque sus primeras obras aun guardarían similitudes con las de su maestro.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Leonardo también colaboraría en la realización de "La Anunciación" que es una tabla donde se representa al Arcángel Gabriel arrodillado frente a la Virgen María sosteniendo un lirio en la mano izquierda actualmente se halla en los Uffizi de Florencia. También realiza el cuadro llamado "La Virgen del Clavel" que sería una obra autónoma de Leonardo, pero aún pintado en el taller de Verrochio con influencia de los pintores flamencos ( holandeses) en el paisaje de fondo, en estos años efectúa la "Madona Benois" de colorido más oscuro y detalles marcados de iluminación.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Leonardo en sus bocetos demuestra un interés enfatizado por las disponibilidades del movimiento y de la expresión de temáticas variadas, algunos son fruto de su fantasía y no podrán ser aplicados a cuadros.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">El primer encargo importante lo comenzaría pero no lo concluiría, era una pintura de mediano tamaño para el altar de la Capilla de San Bernardo en el Palazzo Vecchio de Florencia hacia 1478 el encargo fue obtenido tal vez por la intervención de su padre Ser Piero.</span></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-_d-BM8ova1I/TnytIMdwxkI/AAAAAAAAAJE/3jMAhxPgFMw/s1600/vinci_biografia_ultima_cena.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" hca="true" height="176px" src="http://3.bp.blogspot.com/-_d-BM8ova1I/TnytIMdwxkI/AAAAAAAAAJE/3jMAhxPgFMw/s320/vinci_biografia_ultima_cena.jpg" width="320px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La última cena</td></tr>
</tbody></table><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Alejándose del estilo de Verrochio, pinta entre 1478 y 1480 muy influenciado por la pintura flamenca el "Retrato de Ginebra Benci", siendo a su vez el primer cuadro que realiza de tema profano, es una obra pequeña en formato y en su reverso tiene la inscripción "Virtutem Forma Decorat" que significa "La Belleza es adorno de la Virtud", el cuadro es realizado para Bernardo Bembo, hecho que esta simbolizado por el empleo en la obra de las ramas de laurel y palmera que se hallarían en su escudo de armas.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En el siglo XV finalizados los años 70 parece empezar a destacar ya como pintor hecho que no fue fácil dado la excelencia de los pintores Florentinos como Sandro Botticelli y Ghirlandaio. Ahora hacia 1480 realizara la pintura de "San Jerónimo" que dejará inacabada, se aprecia a San Jerónimo penitente y arrodillado en el desierto y ubicado en el centro del cuadro. Estaría destinada al Altar de la Abadía en Florencia, ya en esta obra se hace notar el interés del pintor por la anatomía, sobre todo se destaca la fisonomía y fisiología.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Hacia 1481 otra vez por mediación de su padre se le encarga para el Altar Mayor de San Donato de Scopeto, el cuadro titulado "La Adoración de los Magos", donde se destaca la diversidad de movimientos y gestos de las figuras del cuadro, esta obra también quedaría inacabada, solo dejaría un dibujo sfumatto monocromo inconcluso.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Ahora en Milán hacia 1483 trabajaría para Ludovico Sforza desempeñándose como ingeniero militar, pintor y escultor, pero el primer encargo que recibiría en la ciudad sería para la Capilla de los monjes franciscanos de la Hermandad de la Inmaculada Concepción de María, que le encargaría la realización de una tabla denominada "La Virgen de las Rocas", realizará dos versiones de esta obra , una se encuentra en el Louvre y otra en la National Gallery de Londres. Funcionaba como cuadro tapadera, delante del nicho donde se hallaba la imagen de la Inmaculada que sería descubierta el día 8 de diciembre fecha de la Fiesta de la Inmaculada Concepción. En el cuadro se representa a María con el Niño, San Juan Bautista y un ángel. San Juan Bautista aparece destacado, talvez porque dicha hermandad franciscana lo tenía como centro de adoración además de adorar a Cristo, y a San Francisco adoraban también a San Juan Bautista, de este modo la hermandad se vería representada, en el pequeño San Juanito adorando a Jesús niño y siendo bendecido por este último y a su vez protegido por la mano derecha de María posada sobre el hombro del pequeño.<br />
Al concluirse el retablo surgió un litigio en el cual participo Leonardo junto con los hermanos de Predis por el pago de la obra, dado que habían recibido una oferta mayor que la ofrecida por la hermandad.<br />
Se realizo entonces una segunda versión de la obra que se halla en Londres, esta habría estado en la capilla de la Hermandad en San Francesco Grande en Milán durante el siglo XVI, mientras que la anterior versión de "La Virgen de las Rocas" se vendió quizás a Ludovico Sforza que la regalaría al rey de Francia.<br />
Así alcanzaría su fama como pintor en Milán, pero todavía no obtendría el cargo de pintor de cámara hasta años posteriores.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En la segunda mitad de los años 80 se empeño en el dibujo de armas, máquinas sitiadoras y sistemas de defensa, además hacia 1487 - 1488 ofrece su talento como arquitecto proyectando edificios religiosos, para la catedral de Milán, por lo que se le pagaban pequeñas sumas de dinero, realizo proyectos para iglesias de planta central pero sin éxito.</span></div> <table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-yJKuAbKeNBc/TnyuoqJaJrI/AAAAAAAAAJI/Sk1jN7isTGg/s1600/vincilitamadonna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" hca="true" height="320px" src="http://1.bp.blogspot.com/-yJKuAbKeNBc/TnyuoqJaJrI/AAAAAAAAAJI/Sk1jN7isTGg/s320/vincilitamadonna.jpg" width="242px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Litta Madonna</td></tr>
</tbody></table> <div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Leonardo vuelve a la pintura en 1490 aproximadamente donde ejecuta la obra llamada "Madona Lita" de la cual su autoría esta en controversia, aunque existe un dibujo previo a la obra que si fue efectuado por el artista.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Leonardo Da Vinci ya como artista de la corte de Ludovico el Moro en Milán hacia 1487 y 1490 realiza complejos estudios de anatomía y de las proporciones, mientras que en la corte organiza fiestas y trabaja en el monumento ecuestre de Francesco Sforza que tampoco concluye. Se destaca por entonces como retratista y pinta la reconocida obra titulada "La Última Cena" en el refectorio del Convento de Santa María Delle Grazie entre 1495 -1497 a modo de escenario y bajo las reglas de la Perspectiva Central.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Antes en 1490 realiza el "Retrato de Cecilia Gallerani" y "La Belle Ferronière", este último de atribución dudosa al artista, así como también bajo la misma incógnita se halla el cuadro llamado "Retrato de un Músico" el joven estaría mirando hacia la derecha fuera del cuadro y el tronco orientado hacia la misma dirección, pero en el de las damas anteriores la mirada y el tronco estarían orientadas en direcciones opuestas hecho que caracteriza a Leonardo y también menciona en su Tratado de la Pintura.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Para la misma época el artista proyectaba la estatua ecuestre de Francesco en bronce hecho que se postergaba cada vez más y aproximadamente hacia 1489 si comienza a trabajar en la estatua , terminando un modelo en barro que superaba los 7 (siete) metros en 1492 que se convirtió posteriormente en decorativo para las fiestas de Boda de Bianca María Sforza con el emperador Maximiliano. Al ser el bronce que era necesario para su construcción empleado en la fundición para forjar cañones en 1494, lo único que llego a realizarse fue entonces el modelo en barro. Hoy se conservan los estudios realizados para el monumento (1488 - 1489) y dibujos del armazón del molde para la cabeza del caballo en 1491 -1493 en el llamado Códice de Madrid.<br />
De esta forma los esfuerzos costosos para la ejecución del monumento ecuestre que no llego a realizarse, colocan a Leonardo en un lugar de privilegiado en la Corte de Ludovico en Milán, desempeñándose también en la instalación del sistema de calefacción para el palacio y en el diseño decorativo de las fiestas ha realizarse en el mismo lugar, además de su reconocido trabajo como pintor, de los que se destaca la realización de la pintura mural de "La Última Cena".</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">El último encargo de Ludovico Sforza es la Sala Delle Asse que se efectúa entre 1496 y 1498, decorada con ramas de árboles entrecruzadas y enlazadas entre sí, alrededor de un escudo que se halla en el centro de la bóveda y de cuatro paneles que contienen inscripciones, todos relacionados con la política y hechos privados del propio Ludovico, pero en 1499 las tropas francesas invaden el norte de Italia y culmina así el gobierno de Ludovico el Moro.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Después de este hecho Leonardo partiría hacia Mantua y Venecia en diciembre de 1499 quedando sin su protector que fuera derrocado en octubre de 1499 por las tropas francesas que invaden el norte de Italia.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Aún en Milán el rey Luis XII de Francia le encargaría un cuadro con "Santa Ana, San Juanito y la Virgen con el Niño Jesús", tal vez para su esposa, del que solo realizaría el boceto sobre cartón que se denomina Burlington House Cartoon y se encuentra en Londres en la National Gallery.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">De aquí en más Leonardo emprende una vida de continuo peregrinar que empieza en Mantua, con Isabella D' Este. En diciembre de 1499 realiza el cartón con el boceto de Isabella de perfil, como indica la idea del retrato cortesano en Mantua, donde los contornos importantes se hallan perforados con una aguja fina para asegurar el traslado efectivo del retrato a la tabla pero se supone que esta obra no llegó a realizarse, dado que el artista viaja en marzo de 1500 a Venecia y en abril a Florencia.<br />
Como contraparte de este retrato se halla el "estudio para retrato grotesco" de un hombre que realiza Leonardo hacia 1500 - 1505 es conocido como parte de las "cabezas grotescas", es el retrato de un gitano donde se marca la denotada expresividad del rostro.</span></div> <table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/--VSOfKTtvws/TnyvEqF4Y9I/AAAAAAAAAJM/ApSpgJArJfs/s1600/vincilavirgenyelninoconsantaannayjuanelbautista.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" hca="true" height="320px" src="http://1.bp.blogspot.com/--VSOfKTtvws/TnyvEqF4Y9I/AAAAAAAAAJM/ApSpgJArJfs/s320/vincilavirgenyelninoconsantaannayjuanelbautista.jpg" width="223px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Virgen con el niño, Santa Ana y Juan Bautista</td></tr>
</tbody></table> <div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En la ciudad de Florencia Leonardo Da Vinci para la Iglesia S.S. Anunciata realiza un encargo que primero proyectaría en cartón con "Santa Ana, María, Cristo y un cordero" que sería mostrado al público por los monjes servitas. Es casi probable que el cuadro que se encuentra hoy en el Louvre reconocido como "Sta Ana, la Virgen y el Niño" fuera realizado en los primeros años del siglo XVI, esta obra presenta un gran dinamismo en la ubicación de las figuras y un paisaje de fondo montañoso muy marcado.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1501 Leonardo pinta la Virgen del Huso para Florimond Robertet, el cuadro tendrá varias versiones, era un cuadro pequeño.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">A comienzos del siglo XVI también el artista comienza a interesarse por la matemática y la geometría y mantenía una postura de resistencia ante los trabajos de pintura mostrándose muy lento para concluir las obras.<br />
En 1502 trabajaría como ingeniero militar del general Cesar Borgía, con el recorre la zona central de Italia, durante aproximadamente un año y realiza estudios y esgrime dibujos geográficos a vista de pájaro para las campañas que tendrían un carácter estratégico- militar.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En marzo de 1503 regresa a Florencia donde retoma la pintura, con la obra reconocida llamada "La Gioconda" o "Mona Lisa" en 1479 que sería un retrato de Lisa del Giocondo por encargo de su esposo Francesco del Giocondo, por entonces Rafael Santi era un visitante asiduo del taller de Leonardo, quedando admirado por esta obra que se convertiría en modelo a seguir, pero Leonardo tampoco entregaría el retrato a Francesco del Giocondo y también se retrasó en su conclusión. </span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Es la ciudad de Florencia donde Leonardo se encuentra con otro de los más grandes artistas de todos los tiempos Miguel Ángel Buonarroti siendo este un hecho de trascendencia en la historia ambos se emplearían en la realización de las pinturas murales para la Sala del Consejo del Palacio de Gobierno de Florencia ( Palazzo Vecchio) en octubre de 1503 decide aceptar el encargo de realizar la pintura mural denominada "Batalla de Anghiari", al lado de esta Miguel Ángel realizaría la pintura "Batalla de Cascina", pero Leonardo dejaría inacabada la obra en 1506 y posteriormente fue destruida en el siglo XVI . En estas obras es de notar el contraste entre los dos artistas Leonardo daría una representación de violencia bélica entre los bandos de combate, mientras que Miguel Ángel enmarca su obra en el desnudo masculino, tal vez esto movilizo a Leonardo quien no gustaba anteriormente de dicha clase de representación, donde la musculatura sobresale casi exagerada, pero cambiaría de postura, dado que ahora el estilo que se buscaba en el Alto Renacimiento era el del héroe, y los cuerpos deberían de mostrarse más atléticos y con su musculatura marcada y rasgos fuertes masculinos.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En mayo de 1506 regresa a Milán por medio del gobernador francés Charles D' Amboise quien presenta una solicitud para que el artista pudiera ausentarse por un periodo de tres meses, pero este tiempo se extendería aun más como consecuencia de los problemas ocasionados por la realización de la "Virgen de las Rocas" que concluiría con una segunda representación de la misma obra para la Hermandad de la Inmaculada Concepción de Milán, la primera terminaría siendo regalada mientras que esta segunda visión es concluida en 1508 y hoy en día se encuentra en Londres.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1508 y hacia 1511 permanecerá en Milán principalmente al servicio del gobernador francés Charles D' Amboise, aún así realizaría pequeñas estadías en la ciudad de Florencia. En Milán ejercerá como arquitecto, realizara sistemas de riego y se dedicará también a la inconcluida obra denominada "Santa Ana , la Virgen y el Niño" para la misma época es de suponer la realización de la obra titulada "Leda y el Cisne" de la cual hoy solo se conservan copias mientras el original se considera perdida.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">También se encargaría del proyecto para la realización de un monumento ecuestre para Trivulzio Giangiacomo, se trataría de la realización de un caballo encabritado, para el general, pero la obra sería de menor envergadura que la de Ludovico Sforza, pero por designio de Trivulzio, el proyecto después de años de ser planeado no se ejecutaría.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Prácticamente ya alejado de la pintura realizaría varios dibujos anatómicos basados en disecciones del cuerpo humano de gran presición.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">El gobernador francés y protector de Leonardo fallece en 1511 y en septiembre de 1513 el artista es requerido por Giuliano de Médici, quien era hermano del papa León X, entra así en la corte papal en Roma, pero no ejecutaría allí ningún encargo de importancia.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Trabajó para Baldassare Turini como pintor y entre 1514 y 1515 realizará experimentos científicos y recibe el encargo del papa León X para desecar las Lagunas Pontinas, en el sur de Roma, para lo cual realiza un dibujo de la región.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Hacia 1513 utiliza la técnica del Sfumato en su obra "San Juan Bautista".<br />
Leonardo Da Vinci empleó la técnica del Sfumato donde por superposición de numerosas capas de colores ligeros y transparentes se logran infinidad de matices de sombras, que desvirtúan los contornos en delicadas transmutaciones de luz y de sombra, acarreando plasticidad a las figuras reproducidas, aquí los contornos netos y precisos de las líneas de las figuras se alteran se diluyen y se difuminan en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera, quedan afectados por el aire y las características particulares de la humedad y la temperatura y envestidas por la atmósfera por donde pasaría la luz. Leonardo quiere plasmar atmósferas como espacios ocupados por matices y transparencias donde un aura de luz envuelve los objetos, utilizando suaves y casi imperceptibles veladuras, de capas transparentes una sobre otra. En su obra "Juan el Bautista" hacia 1513 utilizará capas de color transparente y las empleará sobre fondos oscuros logrando gradaciones de sombras causantes de que la figura de Juan el Bautista surja de la oscuridad como una figura luminosa, aquí utiliza el claroscuro.</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Permaneció en Roma hasta 1516, en marzo de ese año fallece quien es su mecenas Giuliano de Medicis. Posteriormente viaja a Francia a pedido de Francisco I.<br />
Leonardo permanecerá en la corte francesa y vivirá en Cloux por dos años donde se supone se desempeñó como decorador de las fiestas de la corte y realizó experimentos científicos y proyectos de canalización en Sologne.<br />
Leonardo Da Vinci fallece el 2 de mayo en Cloux en ese momento se cree se encontraba junto a él , el rey francés Francisco I .</span></div><div align="center" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">El discípulo y amigo Francisco Melzi es el que recopilará por medio de los manuscritos de Leonardo el reconocido Tratado de la Pintura hacia los años 1520 - 1530.</span></div><div align="center"><br />
</div><div align="center" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div align="center"><span style="font-size: x-small;">Documentales sobre su biografía</span></div><div align="center" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/azThQSmnPWo?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div align="center" class="separator" style="clear: both; text-align: center;">1</div><div align="center" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div align="center" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/Ve31DsSjjXk?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div align="center">2</div><div align="center" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/etLySsF4I3I?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div align="center">3</div><div align="center" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/IRQ4CGJ53WA?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div style="text-align: center;">4</div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/jwDm4eKxOJQ?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Misterios de la Mona Lisa</span></div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-63501099565598353912011-07-30T03:26:00.000-07:002011-07-31T03:35:58.371-07:00Maurits Cornelis Escher<div align="center"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-H0LD_TH6E5c/TjPQJJ-JsOI/AAAAAAAAAGU/L1rI2mHXJ4Y/s1600/Maurits+Cornelis+Escher.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-H0LD_TH6E5c/TjPQJJ-JsOI/AAAAAAAAAGU/L1rI2mHXJ4Y/s1600/Maurits+Cornelis+Escher.jpg" t$="true" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Autorretrato</td></tr>
</tbody></table><a href="http://www.eschergranada.com/">http://www.eschergranada.com/</a></div><div align="center"><a href="http://www.mcescher.com/">http://www.mcescher.com/</a></div><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Dibujante y artista holandés. Tras estudiar el grabado sobre linóleo en Arnhem, entre 1919 y 1922 estudió en la Escuela de Arquitectura y Diseño Ornamental de Haarlem. En 1922 se trasladó a Italia, donde fijó su residencia. Viajó luego por Suiza y Bélgica, hasta establecerse definitivamente en la pequeña localidad holandesa de Baarn en 1941. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-QY4HsCurJN4/TjPYXKW6w9I/AAAAAAAAAGY/4PGlRPfKz_I/s1600/Escher+BELVEDERE.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320px" src="http://3.bp.blogspot.com/-QY4HsCurJN4/TjPYXKW6w9I/AAAAAAAAAGY/4PGlRPfKz_I/s320/Escher+BELVEDERE.jpg" t$="true" width="206px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Beldedere</td></tr>
</tbody></table><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">A esas alturas, la fama del artista no sólo recorría Europa sino todo el mundo; por ello, cuando en 1954 decidió exponer sus trabajos más recientes en Washington, logró vender los más de cien grabados que había seleccionado para la ocasión, algo casi imposible de conseguir en el caso de artistas que apuestan por obra gráfica. </span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Su progreso en todos los órdenes culminó con la creación de la Fundación Escher hacia el final de su vida, justamente en 1968. Por desgracia, esta institución, nacida para salvaguardar la obra del artista holandés, no fue capaz de evitar la adquisición de la mayor parte de sus fondos por un galerista norteamericano en 1981; posteriormente, ese fondo fue vendido a distintos clientes, lo que supuso la dispersión inevitable de la obra de Escher por diversas colecciones públicas y privadas.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En un principio, Escher se mostró como un heredero directo de la escuela holandesa, con una obra primeriza en la que abundan los paisajes y escenas de las ciudades de ese país y de Italia. En esta época inicial, el holandés era un artista con tendencia abiertamente clasicista o academicista, en consonancia con el momento; sin embargo, su arte comenzó a interiorizarse a lo largo de su prolongada estancia en Italia.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><br />
</div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-cIT8pHLNqyM/TjPZeGmVveI/AAAAAAAAAGo/z8r_P-t4skM/s1600/Escher+V%25C3%25ADnculo+de+uni%25C3%25B3n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="239px" src="http://2.bp.blogspot.com/-cIT8pHLNqyM/TjPZeGmVveI/AAAAAAAAAGo/z8r_P-t4skM/s320/Escher+V%25C3%25ADnculo+de+uni%25C3%25B3n.jpg" t$="true" width="320px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Vínculos de unión</td></tr>
</tbody></table><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Para estos años había cuajado su particular poética, con figuras de animales que se entrelazan caprichosamente para formar bellos, fantásticos y hasta fascinantes conjuntos, en los que se echa de ver un innegable onirismo; del mismo modo, Escher se dio a la creación de bellos patrones geométricos, en línea con artistas del pasado y otros contemporáneos que habían apostado por ese tipo de arte y su aplicación al diseño industrial (como William Morris o los Delaunay, Robert y Sonia).</span></div><div class="biog"><br />
</div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-qYPFApG8AQg/TjPYlWFyTfI/AAAAAAAAAGc/6WyP2yFYCLo/s1600/Escher+Galer%25C3%25ADa+de+pintura.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-qYPFApG8AQg/TjPYlWFyTfI/AAAAAAAAAGc/6WyP2yFYCLo/s1600/Escher+Galer%25C3%25ADa+de+pintura.jpg" t$="true" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Galería de pintura</td></tr>
</tbody></table><div style="text-align: justify;"> </div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Al mismo tiempo, Escher comenzó a trabajar en sus ilusiones espaciales, con edificios en los que las escaleras ascienden a la parte baja y descienden hacia la alta en un impresionante juego de perspectivas; del mismo modo, las leyes físicas parecen derrotadas en sus corrientes de agua, que descienden en su subida para caer en sorprendente cascada hasta la que es su propia fuente. En estos y otros exponentes de su arte, la ilusión creada sólo es posible sobre el papel; por el contrario, si hubiese que desarrollarlas en tres dimensiones, sus propuestas resultarían imposible de todo punto.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Los biógrafos de este artista recuerdan la profunda impresión que en él causo su primera visita a España en 1925 y, muy en particular, su contacto directo con La Alhambra granadina; en ella, su decoración geométrica y su característico entrelazamiento presentan no pocos puntos de contacto con la poética escheriana. Todavía en 1936 Escher volvió a Granada y, fascinado como estaba por el arte musulmán, copió muchos de sus motivos para incorporarlos a su propio universo. El influjo hispano-árabe se percibe particularmente en la segunda etapa de su obra geométrica, correspondiente a los años que vivió en Suiza; para estos años, Escher es un maestro consumado en la técnica de composición a modo de teselas, como el llamaba a sus originales ensamblajes de piezas en sorprendente simetría o asimetría.</span></div><div class="biog"><br />
</div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-S5NIrCq9Xgw/TjPZEH6RpaI/AAAAAAAAAGg/5la_X_bF8Ik/s1600/Escher+Manos+pint%25C3%25A1ndose.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="268px" src="http://3.bp.blogspot.com/-S5NIrCq9Xgw/TjPZEH6RpaI/AAAAAAAAAGg/5la_X_bF8Ik/s320/Escher+Manos+pint%25C3%25A1ndose.jpg" t$="true" width="320px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Manos pintándose</td></tr>
</tbody></table> <br />
<div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En su particular apuesta estética, Escher se sumó a dibujantes técnicos, arquitectos y teóricos de las matemáticas, como él mismo gustaba de recordar a menudo. Con ellos, reconocía tener mayores puntos de contacto que con la práctica totalidad de los artistas plásticos; con ellos, de hecho, mantuvo una relación fluida que se plasma en su correspondencia privada. Por todo ello, no puede sorprender que, en 1958, Escher llegase a plasmar por escritos algunos de sus principios teóricos.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">La obra de Escher, caracterizada pues por el estudio detallado de los efectos ópticos y del motivo decorativo, constituye una de las más originales e idiosincrásicas del siglo XX. Espléndido dibujante, exploró las contradicciones de la perspectiva tradicional en la forma de paisajes e imágenes "imposibles" dotados de una insólita belleza.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><br />
</span></div> <br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-StNy1d_5B5M/TjPZVDINcII/AAAAAAAAAGk/VasgP-__EIA/s1600/Escher+REPTILES.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="275px" src="http://1.bp.blogspot.com/-StNy1d_5B5M/TjPZVDINcII/AAAAAAAAAGk/VasgP-__EIA/s320/Escher+REPTILES.jpg" t$="true" width="320px" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Reptiles</td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/VcLf7lKl9p4?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Escher, el arte de lo imposible</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/PI-b9ye4RqY?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><span style="font-size: x-small;">Animación inspirada en las escaleras infinitas de Escher</span></div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-58799023820046432472011-05-08T01:55:00.000-07:002011-05-08T08:20:06.968-07:00Henri Matisse<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-tD_vh4ezQpc/TcZY1JmEBrI/AAAAAAAAACw/7BAGPpc7cgM/s1600/Autorretrato+Matisse.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" j8="true" src="http://1.bp.blogspot.com/-tD_vh4ezQpc/TcZY1JmEBrI/AAAAAAAAACw/7BAGPpc7cgM/s1600/Autorretrato+Matisse.jpg" /></a></div><div align="center"><a href="http://www.musee-matisse-nice.org/">http://www.musee-matisse-nice.org/</a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés. Cursa estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888, en la Universidad de París, que se ven interrumpidos por una larga y grave enfermedad que le retiene en cama hacia 1890. Durante su convalecencia empieza a pintar, y en 1891, ya recuperado, vence la oposición de sus padres y abandona la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde estudia bajo la dirección de Bouguereau. En 1892 entra en el Estudio de Gustav Moreau, en la Escuela de Bellas Artes, donde cursa estudios de pintura durante cinco años. Es allí donde conoce a Rouault y a Manguin. Asiste también a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Decorativas, donde entabla amistad con Marquet.</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-7yZtQyCuBis/TcZhH1VlfOI/AAAAAAAAAC0/BBpNdlnSjH0/s1600/Matisse+Conversaci%25C3%25B3n+bajo+los+olivos.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><img border="0" j8="true" src="http://2.bp.blogspot.com/-7yZtQyCuBis/TcZhH1VlfOI/AAAAAAAAAC0/BBpNdlnSjH0/s1600/Matisse+Conversaci%25C3%25B3n+bajo+los+olivos.jpg" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Conversación bajo los olivos</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Su primera exposición data de 1896-97 en el Salón de la Sociedad Nacional. Ese mismo verano conoce a Rodin y Pisarro y se interesa por la pintura impresionista. En 1898 viaja a Londres, animado por Pissarro, y allí descubre la obra de Turner; también visita Córcega y Toulousse. Las obras producidas durante estos viajes son las conocidas como <i>protofauvistas</i>, por la riqueza de su colorido y el grueso empaste; son fundamentalmente paisajes. De vuelta a París, asiste durante algunos meses a las clases de Carrière, en cuyo taller conoce a Derain y a Puy. Descubre en estos momentos a Cézanne (le compra a Vollard las <i>Tres Bañistas</i>).</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Se inicia en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. En 1901 expone en el Salón de los Independientes y conoce a Vlaminck. Reconoce que la obra de Vlaminck y Derain es cercana a la suya y en 1903 participa en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En 1904 pinta <i>Lujo, calma y voluptuosidad</i>, que será adquirido por Signac, donde muestra su interés por las teorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo. </span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">1905 es el año de la presentación de una nueva tendencia que el crítico Vauxcelles bautizaría como <i>Fauve</i>, es decir, fieras, en el Salón de Otoño. Los Stein adquieren en ese momento la obra <i>Mujer con Sombrero</i>. Su obra <i>Retrato de la Sra. Matisse</i> causa, a pesar de sus reducidas dimensiones, un gran impacto en el Salón debido a la sabia saturación de los colores chillones. Matisse utiliza aquí el color en todas sus posibilidades expresivas.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1906 expone de nuevo con el grupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en el Salón de Otoño y realiza su primer viaje a África, donde le impresionan los trabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. Pinta <i>Naturaleza muerta con tapete rojo</i>. En 1907, por medio de Gertrud Stein, conoce a Picasso y realiza su primer viaje a Italia. </span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1908, ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes, abre una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realiza su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de Alfred Stieglitz. En 1908 pinta su famosa obra <i>Armonía en Rojo</i>, una escena de interior con naturaleza muerta, figura y paisaje visto a través de la ventana, donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo se reservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje, en el fondo, que se presenta como un preludio de lo que más tarde realizaría en África.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1909 recibe del coleccionista ruso Schukin el encargo de pintar dos grandes paneles: <i>La Danza</i> y <i>La Música</i>; la primera, puede ser interpretada cómo una demostración anticubista de como las figuras pueden unirse a través del arabesco y de los intensos contrastes de color contra el fondo abstracto;... las fuentes de este mural son variadas, desde las figuras de los vasos griegos a las imágenes greco-romanas de las Tres Gracias. También en 1910 esculpe su primer altorrelieve, <i>La Espalda 1</i>. </span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1910 realiza una amplia muestra individual en París, en la galería Bernheim-Jeune y viaja con Marquet a Munich para visitar la exposición de arte islámico. En 1911, viaja a Moscú para instalar los paneles en casa de Schukin y conoce los iconos y las artes decorativas bizantinas, que pasarán a ser un elemento esencial en su repertorio estilístico. Es claro ejemplo de ello <i>El Estudio Rojo</i>, en el que destaca la simplicidad del colorido. La superficie del cuadro es mate y plana y representa el estudio del artista, esta vez sin el artista y sin modelo, solamente con cuadros y algunos otros objetos.</span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-4c1vO-62c2E/TcZhlsGb1bI/AAAAAAAAAC4/HTxtWjsMut0/s1600/Matisse+La+danza.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><img border="0" height="211px" j8="true" src="http://2.bp.blogspot.com/-4c1vO-62c2E/TcZhlsGb1bI/AAAAAAAAAC4/HTxtWjsMut0/s320/Matisse+La+danza.jpg" width="320px" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">La danza (1.910)</span></td></tr>
</tbody></table><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> </span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Poco después viaja a Marruecos con Camoin y Marquet; pasa en el Norte de Africa los veranos de 1911-12 y 1912-13. Del primer verano data <i>Jardín Marroquí</i>, una composición casi abstracta de verdes y rosas. En 1913 participa con varias obras en el Armory Show neoyorquino y en la Secesión berlinesa. El estallido de la guerra provoca el traslado de él y su familia (se había casado en 1898 con Amélie Parayre, con quien tenía dos hijos) a Collioure, donde conoce a Juan Gris. En 1915 realiza una exposición individual en la galería Montross de Nueva York.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1916 pasa el invierno en Niza por primera vez. La placidez y el lujo de la Costa Azul resultan ser muy de su agrado y decide pasar allí la mayor parte del tiempo. Comienza en su obra una etapa de intimismo, con interiores, desnudos, odaliscas y naturalezas muertas como temas predominantes. En 1919 realiza su primera muestra individual en Londres, en las Leicester Galleries. En 1920 colabora con los ballets rusos de Diaghilev realizando las escenografías de obras de Stravinski.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1925 realiza un nuevo viaje a Italia y su estilo se hace mas robusto, como muestra <i>Figura Decorativa</i>, que es considerada la obra culmen de la preocupación de Matisse por el desnudo en un decorado oriental: la figura se presenta esquemática y monumental. Empieza a alcanzar un éxito evidente (en 1927 obtiene el premio del Carnegie International de Pittsburg, y vende prácticamente todo en la exposición de Dudensing Gallery en Nueva York). </span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Data de estos años <i>Odalisca con pantalones grises</i>, donde retoma la temática orientalista fuera del lugar de origen, en el estudio de París. Entre 1929 y 1933 se le organizan exposiciones retrospectivas en Berlín, Basilea, Nueva York y París. Recibe encargos del coleccionista americano Barnes para su fundación en Merion, Pennsylvania. Estos murales retoman el tema de la danza, en un esquematismo que se adapta perfectamente a su función decorativa.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1940, tras la derrota francesa, Matisse piensa en emigrar a Brasil, pero finalmente retorna a Niza; en 1941 sufre una grave enfermedad intestinal; tras su recuperación retoma el trabajo con fuerzas. En 1944 su mujer es arrestada y su hija deportada, Matisse se vuelca en su arte. Al finalizar la guerra, expone con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres; después presenta una gran retrospectiva en el Salón de Otoño de París. Entre 1948 y 1950 trabaja en la decoración de la Capilla del Rosario de Vence (donde residía desde 1944). Se publica <i>Jazz</i>, una colección de reproducciones de los famosos <i>papiers découpés</i> (papeles recortados), acompañados de un texto poético del propio Matisse. La obra más ambiciosa hecha con papeles recortados es <i>La Piscina</i> de 1952, donde las figuras están distorsionadas para crear el efecto de hallarse bajo el agua.</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-66KBJ6m8JxE/TcZhyLJjxXI/AAAAAAAAAC8/4c1lcsiDQhc/s1600/Matisse+Lujo+calma+voluptuosidad.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><img border="0" j8="true" src="http://1.bp.blogspot.com/-66KBJ6m8JxE/TcZhyLJjxXI/AAAAAAAAAC8/4c1lcsiDQhc/s1600/Matisse+Lujo+calma+voluptuosidad.jpg" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Lujo Calma Voluptuosidad (1.906)</span></td></tr>
</tbody></table></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En 1949 vuelve a Niza. El Museo de Lucerna le organiza su primera gran exposición antológica, con más de trescientas obras. En los últimos años de su vida, los reconocimientos a su trabajo se suceden con la concesión del premio de la Bienal de Venecia (1950), la retrospectiva del Museo Nacional de Tokio (1951), la apertura de un museo dedicado a su obra en su ciudad natal y la individual en el Museo de Arte de San Francisco (1952). Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de ochenta y cinco años.</span></div><div class="biog" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Aunque Matisse sea conocido fundamentalmente como pintor, fue también un excelente escultor y dibujante. A lo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de diversos movimientos del siglo XIX (Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Post-Impresionismo) que transformó en un lenguaje moderno. Los maestros a los que más estudió fueron Poussin, Chardin, Watteau, Courbet, Manet y Cézanne. Su posición histórica como iniciador del Fauvismo no debe oscurecer sus logros personales al margen de un movimiento que, en realidad, duró poco y no tuvo programa. Su rival en magnitud e influencia fue Picasso, con quién mantuvo una distanciada relación de amistad y respeto durante muchos años. Los temas principales de su pintura fueron la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio).</span></div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-81441336482408092082011-04-25T11:31:00.000-07:002011-04-25T11:31:04.212-07:00Gustave Caillebotte <br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-B7o1R-VCwcQ/TbWuoBLJDMI/AAAAAAAAACE/lpzxAC4y7mk/s1600/gustavo1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" i8="true" src="http://1.bp.blogspot.com/-B7o1R-VCwcQ/TbWuoBLJDMI/AAAAAAAAACE/lpzxAC4y7mk/s1600/gustavo1.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Autoretrato de Gustave Caillebottte</td></tr>
</tbody></table><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: justify;"> <span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Pocos <span style="font-size: small;">pintores, por no decir ninguno, contribuyeron tanto al fenómeno impresionista como Gustave Caillebotte (1848-1894), y, sin embargo, este nombre aparece siempre en una segunda fila, por detrás de outsiders como Monet, Renoir, Degas, y compañía. A su obra pictórica, importantísima aunque quizás no al mismo nivel que la de los célebres pintores citados antes, Caillebotte añade una vital labor de mecenazgo, gracias a su acomodada condición social, que permite a los demás pintores impresionistas exponer en diversas exposiciones y trabajar con la seguridad de que el joven Caillebotte no dudaría en ayudarlos económicamente si sus obras no se vendían en suficiente cantidad. Por si esto fuera poco, Caillebotte donó a su muerte una importantísima colección de pinturas al Estado francés. </span></span></div> <table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-vz8jwsuTa3w/TbW7eF97P7I/AAAAAAAAACM/ivrPUrVICY0/s1600/Joven+tocando+el+piano.+Gustave.bmp" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" i8="true" src="http://1.bp.blogspot.com/-vz8jwsuTa3w/TbW7eF97P7I/AAAAAAAAACM/ivrPUrVICY0/s1600/Joven+tocando+el+piano.+Gustave.bmp" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Joven tocando el piano </td></tr>
</tbody></table> <div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: small;">Pero vamos a dejar un poco al margen esta labor de mecenas y centrarnos en la carrera pictórica de Caillebotte. Más joven que la mayoría de sus colegas impresionistas, no participa en la primera exposición de 1874, pero, no obstante, sí lo hace en la de 1877, causando estupor entre críticos y compañeros. Su obra resultaba extraña: mientras que el dibujo y las composiciones resultaban muy similares a la pintura académica e incluso obsoleta del Salón, sus colores y pinceladas tenían una vocación claramente impresionista.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: small;">En su primera obra maestra, Los acuchilladores (1876, París, Museo d'Orsay) Caillebotte reúne un enfoque casi fotográfico con una composición marcada por una extraña y vertiginosa perspectiva, característica constante en sus primeras obras. Esta obra ejemplifica como ninguna otra obra el estupor que Caillebotte podía causar entre los asistentes a las primeras exposiciones impresionistas. Zola, quien apreciaba bastante a Caillebotte, la describía como "una pintura antiartística, limpia, helada y burguesa, a fuerza de exactitud." No es de extrañar que los mayores aplausos a esta obra vinieran de los sectores conservadores del salón, lo que quizás no agradó demasiado al artista.</span></div> <table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-FksIpoWgH3U/TbW7i5M9PNI/AAAAAAAAACQ/3KSHcn5XdeY/s1600/Los+acuchilladores.+Gustave.bmp" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" i8="true" src="http://3.bp.blogspot.com/-FksIpoWgH3U/TbW7i5M9PNI/AAAAAAAAACQ/3KSHcn5XdeY/s1600/Los+acuchilladores.+Gustave.bmp" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Los acuchilladores 1875</td></tr>
</tbody></table> <div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: small;">El Puente de Europa (1876, Ginebra, Museé du Petit-Palais) y, sobre todo, París, tiempo de lluvia (1877, The Art Institute of Chicago) mantienen las características de la pintura anterior, y convierten el Paris de Haussmann en el escenario favorito de las personalísimas perspectivas de Caillebotte.</span></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: small;">A partir del año siguiente, Caillebotte comienza a alejarse del estilo serio y frío del Salón para crear su propio estilo plenamente impresionista. Esto resulta evidente en las diferentes versiones del Hombre en el balcón , en los que la originalidad de la perspectiva atrapa al espectador, atrayéndolo a mirar más allá del hombre -en apariencia el protagonista de la pintura- para centrarse en la grandiosidad del espacio exterior. </span></div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: small;">El la década de 1880 la carrera de Caillebotte da un giro radical al trasladarse a una casa frente a Argenteuil, a orillas del Sena, donde comienza su afición por los veleros y las regatas.</span></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-ZbJqoAlqIz4/TbW9Mr-VYaI/AAAAAAAAACU/LM6e-s2_4E4/s1600/Par%25C3%25ADs+en+tiempo+de+lluvia.+Gustave.bmp" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" i8="true" src="http://4.bp.blogspot.com/-ZbJqoAlqIz4/TbW9Mr-VYaI/AAAAAAAAACU/LM6e-s2_4E4/s1600/Par%25C3%25ADs+en+tiempo+de+lluvia.+Gustave.bmp" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">París en tiempo de lluvia 1877.</td></tr>
</tbody></table><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif; font-size: small;">Las obras de este periodo se caracterizan por una moderación en las perspectivas, menos forzadas que en la mayoría de pinturas urbanas de París, aunque continúa con las composiciones inusuales, ya sea por extraños puntos de vista o por estar en apariencia arbitrariamente cortadas. Las bellas imágenes de veleros que pinta Caillebotte tienen una clara influencia en las que Monet representara unos años antes.</span></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"></div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-67192734390614319472011-04-23T08:15:00.000-07:002011-04-24T03:05:29.903-07:00Pierre-Auguste Renoir<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-wrBwobcQIqQ/TbLoE4c20QI/AAAAAAAAABw/38ZSORj_hEU/s1600/Renoir+autorretrato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" i8="true" src="http://3.bp.blogspot.com/-wrBwobcQIqQ/TbLoE4c20QI/AAAAAAAAABw/38ZSORj_hEU/s1600/Renoir+autorretrato.jpg" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Pierre-Auguste_Renoir">http://es.wikipedia.org/wiki/Pierre-Auguste_Renoir</a></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"> <table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-gZAm-xgtUqg/TbPyZuaocFI/AAAAAAAAAB4/8KLPklzKy5o/s1600/renu35.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" i8="true" src="http://3.bp.blogspot.com/-gZAm-xgtUqg/TbPyZuaocFI/AAAAAAAAAB4/8KLPklzKy5o/s1600/renu35.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jovencitas al piano (1892). París, Musée d'Orsay</td></tr>
</tbody></table> <div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Hoy día se quiere explicar todo. Pero si se pudiera explicar un cuadro, no sería una obra de arte. ¿Debo decirle a usted qué cualidades constituyen a mi juicio el verdadero arte? Debe ser indescriptible e inimitable... La obra de arte debe cautivar al observador, envolverle, arrastrarle. En ella comunica el artista su pasión; es la corriente que emite y por la que incluye el observador en ella". "Yo pongo ante mí el objeto tal y como yo lo quiero. Entonces empiezo y pinto como un niño. Me gustaría que un rojo sonara como el tañido de una campana. Si no lo consigo la primera vez, tomo más rojo y otros colores, hasta que lo tengo. No soy más listo. No tengo más reglas ni métodos. Cualquiera puede probar el material que uso o verme mientras pinto: se dará cuenta de que no tengo secretos". Estas dos frases resumen de manera contundente la filosofía de Renoir, uno de los grandes maestros impresionismo que con sus obras ha cautivado a una legión de admiradores en todos los museos y colecciones donde se pueden contemplar.Pierre-Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en la localidad francesa de Limoges. Era el cuarto hijo de Léonard Renoir y Marguerite Morlet. Su padre era sastre y deseaba ampliar su fortuna por lo que decidió trasladarse con toda la familia a París, en 1845, esperando aumentar su capital, cosa que no ocurrió. El pequeño Pierre acude a las clases de los Hermanos de las Escuelas Cristianas cuando tiene siete años, iniciándose en la lectura y la escritura. Será en estos momentos cuando ya empiece su admiración por el dibujo, llenando de apuntes todos sus cuadernos. También sobresale en el canto, lo que provocará que el maestro de la capilla de Saint-Eustache se convierta en su profesor de solfeo, ingresando el pequeño en el coro de la iglesia cuando tiene nueve años. Léonard Renoir prefiere que Pierre se encamine hacia el dibujo ya que así podrá dedicarse a la decoración de porcelanas, una actividad tradicional en Limoges. En efecto, en 1854 Pierre ingresa como aprendiz en el obrador de los Lévy, pintores de porcelanas. Pronto destacará en la decoración floral y se le encargará la ejecución del retrato de María Antonieta en las tazas de café. Por las noches asiste a un curso en la Escuela de Dibujo y Artes Decorativas dirigido por el escultor Callouette. Se entusiasma tanto con la pintura que en lugar de comer, al mediodía acude al Louvre para copiar y dibujar a los grandes maestros: </span></div></div></div><div style="text-align: justify;"><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-9BboUxFwO9A/TbP1cWWOdAI/AAAAAAAAAB8/WckQ93YhGBs/s1600/renoir+34.bmp" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" i8="true" src="http://2.bp.blogspot.com/-9BboUxFwO9A/TbP1cWWOdAI/AAAAAAAAAB8/WckQ93YhGBs/s1600/renoir+34.bmp" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Retrato de Aline Charigot(1885).<br />
Filadelfia, Museum of Art.</td></tr>
</tbody></table><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Tiziano, Tintoretto, Fragonard, Boucher, Velázquez, Rubens... Esta admiración por los grandes se mantendrá toda la vida y será una referencia constante en buena parte de sus obras. Decoraba las porcelanas diez veces más rápido que sus demás compañeros por lo que consiguió amasar una pequeña "fortuna" que le servirá de ayuda cuando en 1854 la empresa Lévy vaya a la encargo de decorar un café en la rue Dauphine. Poco a poco va ganándose la quiebra. Pierre tiene diecisiete años y no duda en colaborar con su hermano mayor, Pierre-Henri, pintando abanicos, coloreando escudos o pintando telas de iglesia para los misioneros de Ultramar, legando a recibir elvida gracias a los ahorros y los emolumentos que percibe, interesándose cada vez más por la pintura. Sus visitas al Louvre son cada vez más frecuentes y se apasiona por sus maestros -"¡Cuantas veces he pintado El embarque para Citerea! Así eran los primeros pintores con los que me familiaricé, Watteau, Lancret y Boucher. Mejor dicho: Diana en el baño fue el primer cuadro que me impresionó, y toda la vida he seguido queriéndolo como uno quiere a su primer amor" comentaría años después- por lo que decide ingresar en la Escuela de Bellas Artes. Supera el examen y el 1 de abril de 1862 se inscribe en las clases impartidas por Charles Gleyre y Emile Signol. En estos momentos conoce a Fantin-Latou, con el que visita el Louvre. Pero la rigidez académica no entusiasma al joven Renoir por lo que no duda en matricularse en el estudio privado de Gleyre, estudiando el desnudo del natural y sin someterse a la directa presión del maestro ya que Gleyre dejaba bastante libertad a sus alumnos.En el taller de Gleyre conocerá a tres de sus mejores amigos: Claude Monet, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Los cuatro jóvenes congeniaron estupendamente y pronto empezaron a ir a trabajar directamente en la naturaleza, "a plein air", en el bosque de Fontainebleau, de la misma manera que hacían los maestros de la Escuela de Barbizon: Daubigny, Díaz de la Peña o Corot. Incluso cuando Gleyre abandonó las clases a causa de su avanzada edad, en 1864, los cuatro jóvenes artistas continuaron trabajando juntos sin recurrir a ningún maestro directo. Pero Renoir, igual que todos los artistas de su tiempo, deseaba alcanzar pronto el triunfo por lo que no dudó en enviar al Salón de París una obra ese mismo año: Esmeralda bailando con su cabra, inspirada en la novela de Victor Hugo. La obra fue admitida pero posteriormente el propio Renoir no dudó en destruirla ya que no estaba satisfecho con el resultado, práctica bastante habitual en él.En estos años centrales de la década de 1860 Renoir no sólo admira a los maestros clásicos sino que también se interesa por los creadores que han roto los esquemas en su siglo. Delacroix y Courbet serán para el joven pintor dos referencias tremendamente importantes. En 1865 se encontrará con el gran maestro realista en Marlotte, sintiendo una profunda emoción. Este mismo año conocerá a Lise Trehót, amiga de la hermana de su buen amigo Jacques Le Coeur, quien se convertirá en su modelo favorita hasta 1872.Las ansias de triunfo en el Salón le llevaron a enviar obras tanto en 1866 como en el año siguiente pero el jurado las rechazó tajantemente, igual que las enviadas por Manet o Cézanne. Los jóvenes artistas protestan ante la organización y reclaman la organización de un "Salon des Refuses" pero no consiguen sus objetivos. Estos nuevos creadores tienen su centro de reunión en el barrio de Batignoles, concretamente en el café Guerbois, donde Manet se erige en su líder, acudiendo a la tertulia escritores y críticos artísticos como Emile Zola, uno de los primeros defensores de las nuevas ideas.Renoir va recibiendo algunos encargos que le sirven para superar su desgraciada situación económica, similar a la de sus compañeros, tal y como se recoge en estas palabras: "No comemos todos los días, pero aún así estoy de buen humor. (...) Monet nos invitaba de vez en cuando a comer. Y entonces nos atiborrábamos de pavo mechado, para el que había vino de Chambertin". Monet y Renoir utilizarán como modelo, en el verano de 1869, un cabaret flotante en la isla de la Grenouillère tomado directamente del natural, interesándose por el cambio de tonalidades en los objetos según la luz incida en ellos o por las atmósferas creadas por el aire alrededor de esos objetos. Estaba surgiendo el impresionismo.Un cambio de aires en el jurado del Salón de París permitió que en los últimos años de esta década los jóvenes creadores mostraran sus obras en la exposición oficial. Pero en julio de 1870 estalla la Guerra Franco-Prusiana y todos los artistas, en edad militar, son llamados a filas. Algunos, como Monet, abandonan Francia pero Renoir fue destinado al 10º regimiento de Cazadores, en Tarbes. Allí permanecerá hasta su desmovilización, el 15 de mayo del año siguiente. Su regreso a París coincide con los días de la Comuna, que será cruelmente sofocada por el ejército.Las consecuencias de la derrota de Napoleón III ante Alemania afectarán también al campo del arte ya que el nuevo jurado del Salón rechazaría sistemáticamente toda innovación, no dudando en criticar e incluso ridiculizar las obras de los jóvenes creadores. La situación económica de éstos, procedentes en su mayoría de familias sin grandes recursos, se hará cada vez más asfixiante por lo que pronto surgirá la idea de fundar una asociación de artistas encaminada a exponer sus trabajos al margen de las instituciones oficiales. Algunos marchantes como Durand-Ruel o Ambroise Volard empezaron a interesarse por las obras de los rebeldes y compraron sus lienzos, aun a riesgo de perder dinero. La apuesta de los jóvenes creadores era cada vez más fuerte y en diciembre de 1873 fundan la Sociedad anónima cooperativa de artistas pintores, escultores, grabadores. La primera exposición de este grupo se celebró entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874, exhibiendo sus trabajos un total de 30 artistas entre los que encontramos a Boudin, Pisarro, Guillaumin, Cézanne, Monet, Gautier, Sisley, Renoir, Morisot y Bracquemont. La muestra se llevó a cabo en las salas cedidas por el fotógrafo Nadar, en el boulevard des Capucines. Acudieron unos 3.500 visitantes que, en su mayoría, se mofaron de lo allí expuesto. Louis Leroy, el crítico de la revista "Chirivari" aludió peyorativamente a los miembros del grupo llamándoles impresionistas, tomando el título de un cuadro de Monet para hacer una irónica burla de la muestra, pero el nombre gustó a los miembros del grupo que desde ese momento se denominaron asi.Renoir vendió tres de las obras presentadas pero su mala situación económica le llevó a convencer a Berthe Morisot y Monet para que organizaran una subasta pública en el Hôtel Drouot, en marzo de 1875. Las ventas serán escasas pero conocerán a Victor Chocquet, un admirador de Delacroix que se convertirá en uno de los más firmes defensores de la nueva pintura.Al año siguiente los impresionistas volvieron a realizar su segunda exposición, esta vez en la galería de Durand- Ruel. Renoir acudió con quince cuadros, entre otros Desnudo al sol. El crítico Albert Wolff escribió en "Le Figaro": "Cinco o seis locos se han encontrado aquí, obcecados por su aspiración de exponer sus obras. Mucha gente se destornilla de risa por estas chapuzas" catalogando el Desnudo de Renoir como un "amasijo de carnes en descomposición". La respuesta del pintor ante tan graves críticas será realizar su obra maestra: Le Moulin de la Galette, presentada junto a otras veinte a la tercera muestra impresionista, celebrada en 1877 en la rue Le Peletier. Renoir será uno de los principales organizadores pero las ventas serán ridículas. Sin embargo, Pierre consigue recibir interesantes encargos como retratista, entre otros los de Madame Chapentier y la actriz Jeanne Samary, una de sus modelos favoritas en estos momentos.La pintura de Renoir empezará a conseguir cierto éxito en los años finales de la década de 1870, momento en el que su hermano Edmond escribe un artículo favorable en la revista "Vie Moderne", organizando su primera exposición individual. No enviará ningún trabajo a las tres exposiciones siguientes de sus compañeros impresionistas, ya que existían desacuerdos de carácter político entre él y algunos de sus camaradas, rechazando las ideas anarquistas y socialistas de varios de ellos.Gracias a los retratos Renoir consigue una estabilidad económica que le permite realizar un viaje a Argelia, en marzo de 1881, y a Italia, en el invierno de ese año. Visitará Venecia, Florencia, Roma, Sorrento y Capri, admirando las obras de los maestros del Renacimiento y del Barroco, especialmente Rafael. Y es que en estos primeros años de la década de 1880 la pintura de Renoir -al igual que algunos de sus compañeros como Monet y Pissarro- vive un periodo de crisis. Pero mejor dejemos que sea el propio pintor quien nos cuente cómo se sentía: "Hacia 1883 yo había agotado el impresionismo y al final había llegado a la conclusión de que no sabía ni pintar ni dibujar. Dicho en pocas palabras, el impresionismo llevaba a un callejón sin salida (...) en concreto, me di cuenta de que nuestro estilo era demasiado formalista, que era una pintura que llevaba a uno permanentemente a compromisos consigo mismo. Al aire libre la luz es más variada que en el estudio, donde sigue inalterable para todo propósito y tarea. Pero justamente por esta razón la luz juega un papel excesivo al aire libre. No se tiene tiempo para pulir una composición, uno no ve lo que hace. Recuerdo que una vez una pared blanca proyectaba sus reflejos sobre mi lienzo mientras pintaba. Yo seleccionaba colores cada vez más oscuros, pero sin éxito; pese a mis intentos, salía demasiado claro. Pero cuando más tarde contemplé el cuadro en el estudio, parecía completamente negro. Si un pintor pinta directamente del natural, en el fondo no busca sino efectos del momento. No se esfuerza en plasmar, y pronto sus cuadros se hacen monótonos". Este momento de crisis recibe el nombre de "periodo seco". Se interesará por la pintura de Ingres y cuidará más su dibujo, haciendo hincapié en el modelado, al tiempo que emplea un colorido más frío y suave. Las bañistas que pintará en esta década serán excelentes ejemplos de esta nueva manera de trabajar, tremendamente clasicista, aunque sin perder la frescura del impresionismo. Pero no siempre se encontrará satisfecho con los resultados de la nueva experimentación, entrando en épocas depresivas e incluso llegando a destruir todos sus trabajos de una temporada, como ocurrió en octubre de 1886. Las dudas acerca de su trabajo se extienden incluso a su marchante, Durand-Ruel, quien rechaza su nuevo estilo, sumiendo al artista en nuevos periodos de depresión.A principios de esta década de 1880 iniciará un estrecha amistad con una joven natural de Essoyes llamada Aline Charigot, quien se convertirá en su modelo favorita en esta época. La bella joven encandilará al ya maduro artista y el 23 de marzo de 1885 nacerá el primer hijo de la pareja. Pierre. Renoir y Aline formalizarán su relación al contraer matrimonio civil el 14 de abril de 1890; dos hijos más nacerán de esta relación: Jean, el famoso director de cine, el 15 de septiembre de 1894, y Claude, llamado "Coco", el 4 de agosto de 1901. Para cuidar a los pequeños contaron con la ayuda de una prima de Aline, Gabrille Renard, que se convertirá en la modelo favorita del pintor hasta que ella se case en 1914.La fama de la obra de Renoir empieza a traspasar las fronteras de Francia gracias a las exposiciones organizadas por Durand-Ruel en Londres, Boston, Nueva York y Berlín, después de la celebrada en París durante el mes de abril de 1883 que mostró 70 cuadros. Los coleccionistas norteamericanos empezarán a manifestar una especie de fiebre por sus trabajos, adquiriendo buena parte de su producción que hoy se pueden contemplar en los museos y colecciones de la mayoría de las ciudades de los Estados Unidos. El grupo vanguardista belga de "Les Vingt" invita a Renoir a sus exposiciones de 1886 y 1890. Todo esto nos pone de manifiesto cómo el pintor se cotiza cada vez más y consigue escapar de los apuros económicos, especialmente desde la gran retrospectiva celebrada en 1892, reuniendo para la ocasión 110 cuadros. El Estado francés comprará uno de ellos para el Museo del Luxembourg: Yvonne y Christine Lerolle al piano. El éxito le permitirá realizar un viaje muy deseado: su destino es España, acompañado por el editor Paul Gallimard. La colección de Velázquez, Tiziano y Goya del Museo del Prado causará una profunda impresión en el pintor, al igual que los frescos de San Antonio de la Florida ejecutados por el maestro aragonés. En 1896 realizará otro viaje, ahora a la localidad alemana de Bayreuth, para conocer el festival Wagner pero le resultó muy aburrido. Dos años más tarde será Holanda el nuevo destino, sintiéndose más interesado por la pintura de Vermeer que por Rembrandt.La enfermedad será la triste compañera de las tres últimas décadas de la vida de Renoir. Uno de sus primeros ataques de reuma, que le provocará una parálisis facial, se produce en diciembre de 1888. Para evitar que la enfermedad se radicalice, huirá del frío y buscará lugares cálidos, dirigiéndose hacia el Mediterráneo. Al reuma debemos añadir periódicos ataques de gota, acudiendo a los balnearios con cierta frecuencia para curarse. Las dolencias reumáticas serán cada vez más fuertes, provocando la deformidad de sus manos y brazos. Con vendas evitaba que las uñas crecieran dentro de la carne y para pintar se ataba los pinceles entre los rígidos dedos -"Ya ve usted. ¡No se necesitan manos para pintar!" decía al marchante Vollard-. Pesaba poco más de 48 kilos en 1907 y tres años después quedó postrado en una silla de ruedas, llegando a tener que utilizar un armazón de alambre a la hora de tumbarse en la cama para que las sábanas no rozaran su débil cuerpo. Y aún así su capacidad de trabajo será excepcional, haciéndose construir un caballete en el que el lienzo se podía enrollar como si se tratara de un telar. No olvidemos que su producción alcanza las 6.000 obras, siendo superado en número por muy pocos pintores. Incluso en estos años de grave enfermedad se dedicó a la escultura, utilizando al escultor Ricardo Guinó, alumno de Maillol, como ayudante, indicándole desde su silla de ruedas cómo debía modelar, llegando e entenderse sólo con breves sonidos.Las obras de esta etapa madura están caracterizadas por el vibrante chisporroteo del color, combinado con un potente modelado y un acertado dibujo. El color es aplicado con pinceladas rápidas y relajadas, recuperando el interés por la luz de sus años juveniles, destacando las tonalidades rojizas como preferidas. Algunas de sus obras gozan del clasicismo de Rubens al emplear contundentes modelos desnudas dotadas de gracia y alegría -"Miro un desnudo; hay miriadas de pequeñas motas de color. Tengo que buscar aquéllas que hagan de esa carne, sobre mi tela, algo que viva, algo que se mueva" comentaría el propio artista-. Y lo más sorprendente es que, a pesar de su delicado estado de salud, todas estas obras tardías están envueltas en un halo de felicidad, de romanticismo bucólico, recordando a la mítica Arcadia.Desde 1907 Renoir se instala en Cagnes-sur-Mer, a orillas del Mediterráneo, buscando el clima cálido que haría más llevadero su mal. Compró una finca denominada "Les Colletes" donde se hizo construir un taller que se convertirá en su último refugio. Los premios y honores le llegan desde diferentes lugares, siendo nombrado en 1911 Oficial de la Legión de Honor. Al año siguiente se publica un artículo sobre su obra en la prestigiosa revista "Scribner´s Magazine" de Nueva York y ese mismo año Maier-Graefe publica la primera monografía sobre el artista. Sus obras alcanzan precios cada vez más altos en las subastas. Pero la enfermedad le sigue castigando y él busca en la pintura su único refugio.La Primera Guerra Mundial provoca la movilización de Pierre y Jean, recibiendo al poco tiempo diversas heridas. Recuperados, vuelven al frente y Jean es de nuevo herido, consiguiendo recuperarse. Sin embargo, en 1915 Renoir recibe un durísimo golpe: Aline fallece víctima de la diabetes el 27 de junio en un hospital de Niza, tras un breve periodo de tratamiento. Tenía 56 años.Pierre continúa buscando en la pintura su vía de escape. "Todavía hago progresos" comentaba. Fue a París en 1919 para contemplar como una de sus obras estaba expuesta junto a Las bodas de Caná de Veronés. El 3 de diciembre de ese año fallecía el pintor en Cagnes, tras haber pedido un lápiz para dibujar, diciendo, según se cuenta: "Flores" antes de fallecer. Tres días más tarde era enterrado en Essoyes junto a su esposa. En los últimos años de su vida fue frecuentemente visitado por los jóvenes creadores, entre ellos Matisse o Modigliani, que veían en el anciano pintor a un fuerte estímulo para continuar con sus trabajos, a pesar de que sus estilos no tuvieran mucho en común. </span></div></div></div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"> </div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"> </div><div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"> </div><div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"> </div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-40704429059186843442011-04-23T02:08:00.000-07:002011-04-23T08:17:54.635-07:00Vicent Van Gogh<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-_nuFBV7dkUY/TbKVpP9PcFI/AAAAAAAAABo/2iZ77XGNPyg/s1600/Van+Gogh+atorretrato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" i8="true" src="http://1.bp.blogspot.com/-_nuFBV7dkUY/TbKVpP9PcFI/AAAAAAAAABo/2iZ77XGNPyg/s1600/Van+Gogh+atorretrato.jpg" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.vangoghmuseum.nl/vgm/index.jsp?page=paginas.talen.es">http://www.vangoghmuseum.nl/vgm/index.jsp?page=paginas.talen.es</a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">El tesón y las ganas de trabajar - más de 800 cuadros en nueve años como pintor - que demostrará Vincent a lo largo de su corta vida son encomiables y definen claramente la biografía de este magnífico pintor neo-impresionista</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">. Vincent Willem van Gogh nace en Groot Zunder (Holanda) el 30 de marzo de 1853 en el seno de una familia de clase media. Su padre - Theodorus van Gogh - era un pastor protestante y su madre - Anna Cornelia Carbentus - pertenecía a una importante familia de encuadernadores. Sus tíos paternos se dedicaban al comercio de obras de arte, fundando la sucursal holandesa de la prestigiosa firma Goupil & Cie. No existen muchos datos sobre su infancia, iniciando sus estudios en 1861 y destacando en el aprendizaje de inglés, alemán y francés. Abandona repentinamente el instituto donde estudia y regresa a su casa; son los escasos datos que conocemos de estos años de adolescencia ya que hasta los 30 no tendrá vocación artística. Con 16 años empieza a trabajar en la galería Goupil, fundada por su tío en La Haya. Allí se vendían preferentemente obras de artistas holandeses contemporáneos - la conocida como Escuela de la Haya </span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">que buscará sus raíces en el paisaje realista del Barroco</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> con Jacob van Ruysdael</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> como principal protagonista - y de la Escuela francesa de Barbizon</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, origen del Impresionismo</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">. Durante los cuatro años que Vincent estuvo en La Haya se empapó de estas escenas que tenían bastante salida comercial. Pero ya en estos momentos se inicia su profunda admiración por Millet</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, a quien considera el padre de la nueva pintura francesa. Anton Mauve, uno de los miembros de la Escuela de La Haya, contrae matrimonio con una de las tías de Vincent, quince años mayor que su marido, convirtiéndose Mauve en el primer mentor artístico de Van Gogh. En 1873 Vincent se traslada a Londres para trabajar en la sucursal de Goupil de la capital británica. Su primer año allí será de entera felicidad, apreciando la pintura de Constable</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> y Turner</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, y afirmando su admiración por la pintura holandesa contemporánea. Parece que su primera crisis psíquica fue motivada por el rechazo sentimental de la hija de su patrona, la joven Ursula Layer, de quien se había enamorado profundamente. El deterioro físico y psíquico de Vincent fue tal que se le trasladó a la oficina de París por un periodo de tres meses. Vincent se volcó en la religión tras su fracaso amoroso, convirtiéndose en un hombre extraño. En 1875 regresa a París procedente de Londres - donde había estado los últimos seis meses - trabajando de nuevo en la central de la casa Goupil. Se obsesiona con la religión, descuidando su aspecto, leyendo continuamente la Biblia, incluso en el trabajo. También es un asiduo visitante del Louvre</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> y del Museo del Luxemburgo. Cada vez rinde menos en el trabajo; por consiguiente, los jefes de la casa Goupil le dan un plazo de tres meses para que presente su dimisión. Corría el mes de enero de 1876 cuando Vincent abandona París y regresa a Inglaterra, siendo profesor en una escuela de Ramsgate donde su sueldo era el alojamiento y la comida. En julio de 1876 se instala en las cercanías de Londres, formando parte de una escuela metodista cuyo director le anima a impartir clases de ética y a predicar. Durante las Navidades de ese año regresa a Holanda y su padre le convence para que se quede en casa. En 1877 inicia un nuevo trabajo en una librería de Dordrecht gracias a la recomendación de su tío. Vive solo y no le interesa el trabajo por lo que pretende matricularse en la Facultad de Teología de Amsterdam en dos ocasiones sin obtener resultados positivos. Tras nuevos intentos fracasados, su padre consigue que se le otorgue un acuerdo para permanecer por un periodo de seis meses como predicador a prueba en el sector de Masnes, en la región belga de Borinage. Durante tres años estará Vincent trabajando con comunidades mineras, renunciando a sus escasas pertenencias para vivir como ellos. Ya entonces empieza a contar con la colaboración económica de su querido hermano Theo, quien trabaja en la central de Goupil en París. Esta dependencia económica se mantendrá durante el resto de la vida de Vincent. El ardor religioso remite y Vincent abandona a los mineros. Posiblemente haya decidido convertirse en un artista profesional por lo que se traslada a Bruselas, compartiendo estudio con Anton van Rappard. Inicia estudios de perspectiva y anatomía, acompañados de lecturas complementarias. En abril de 1881 Vincent regresa a la casa paterna de Etten, donde permanecerá ocho meses al enamorarse apasionadamente de su prima Kee Vos. Llega incluso a quemarse la mano ante el rechazo y se traslada a La Haya, viviendo con una prostituta embarazada que ya tenía un hijo llamada Sien Hoornik. Al pensar Vincent en hacerla su esposa, su padre considera declararle demente para alejarle de Sien. En esta breve etapa en La Haya se sitúa bajo la dirección artística de su tío Anton Mauve. Vincent realiza su primer óleo titulado Muchacha bajo los árboles</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> en tonos oscuros siguiendo a la próspera Escuela de La Haya. Su compañera Sien será su modelo en múltiples dibujos. Pero la relación Vincent-Sien se agota y el pintor regresa a la casa paterna, ahora en Nuenen. Theo continúa su apoyo económico como anticipo de las ventas de unos cuadros que nunca se venderán. Vincent dirá a este respecto: "Yo no tengo la culpa de que mis cuadros no se vendan. Pero llegará el día en que la gente se dará cuenta de que tiene más valor de lo que cuestan las pinturas". Los dos años pasados en Nuenen (1883-1885) se culminan con la obra Campesinos comiendo patatas</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">. Muerto su padre en abril de 1885, Vincent se siente más libre y en otoño se traslada a Amberes donde contempla los espectaculares retablos de la catedral ejecutados por Rubens</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, iniciando un aclarado de su paleta. La pintura de Delacroix</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> también llamará su atención en estas fechas. Vincent tiene cada vez más claro que debe continuar su aprendizaje en París, donde se traslada por sorpresa en marzo de 1886. En la capital del arte del siglo XIX permanecerá por un periodo de dos años; primero se matricula en la escuela de Ferdinand Cormon para pintar modelos vivos. Allí conocerá a Toulouse-Lautrec</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, poniéndose en contacto con los impresionistas. Este nuevo movimiento artístico sirve a Vincent de punto de partida, aunque piensa que Millet ha hecho más por la pintura que Manet</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">. Durante estos años realizará paisajes de las cercanías de su casa o bodegones de flores, apreciándose un aclarado de su paleta en relación con el periodo de Nuenen. También inicia ciertos experimentos con el Puntillismo</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> así como conoce a Degas</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, interesándose por la figura humana. Pero la atención de Vincent se centra en sus contactos con los jóvenes Paul Signac</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> y Émile Bernard</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, quienes consideran anticuado el Impresionismo. Ambos artistas influirán mucho en la obra de Vincent, que empieza a pensar en la creación de una comunidad de artistas. Las estampas japonesas</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> supondrán también una importante influencia para el joven pintor, de igual manera que influyen en todos los movimientos del momento. Incluso llegó a reproducir varias estampas japonesas mientras el retrato de Père Tanguy</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> está lleno de estampas niponas. El contacto de Vincent con Gauguin</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> se inicia en el otoño de 1886. Entre ambos surgió un respeto mutuo, creciendo la admiración de Van Gogh hacia Paul a medida que pasaba el tiempo, haciéndose cada vez más fuerte la idea de constituir una sociedad de artistas en la que se compartieran gastos e ideas, ofreciéndose apoyo mutuo. En febrero de 1888 Vincent se traslada al sur de Francia, a Arles, buscando su lugar de escape, su Japón del Sur como él denominaba a la ciudad mediterránea. En Arles beberá mucho menos y creará mucho más. Alquilará una casa, la Casa amarilla</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, pero la soledad es muy dura - sólo mantenía relaciones con la familia del cartero Roulin</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> y sus amigos - por lo que empezó a creer con más fuerza en su ansiada sociedad de artistas. Invitó a Gauguin a instalarse en Arles, aceptando éste trasladarse en octubre de ese año, tomando Paul el dinero que Theo Van Gogh le envió para dar gusto a la idea de su hermano. Vincent está en un tremendo estado de excitación ante la llegada de su amigo y se dedica a la decoración de la casa con una serie de paneles con girasoles</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">. Cuando Gauguin llega, incita a Vincent a pintar de memoria, creando escenas como el Sembrador, en las que la naturaleza resulta ligeramente fantaseada. Pero la convivencia entre ambos artistas no es fluida y las discusiones cada vez suben más de tono. El desenlace se produce la noche del 23 de diciembre de 1888. Después de haber bebido mucho, discuten de nuevo y Vincent amenaza a su amigo con una navaja de afeitar. Gauguin, asustado, se marcha al hotel y Vincent, arrepentido por el desenlace de la disputa, decide arrancarse el lóbulo de su oreja derecha, entregándoselo a una prostituta para que lo lleve a Gauguin como señal de arrepentimiento. El escándalo fue mayúsculo y la policía acordonó la casa; Vincent es internado en el hospital y delira durante tres días. En enero de 1890 regresa a su casa y pinta las sillas</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> - donde observamos la diferencia de ambos pintores - así como varios autorretratos donde se aprecia su mutilación. Las noticias de la promesa de matrimonio de Theo con Johanna Gesina Bonger, hermana de su amigo Anders Bonger, no hacen mucha gracia a Vincent, especialmente por la amenaza económica que suponía. Además, su amigo Roulin es trasladado a Marsella quedándose bastante solo de nuevo. En febrero Vincent es ingresado de nuevo en el hospital al cuidado del doctor Felix Rey</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> ya que padece de insomnio y alucinaciones, imaginándose que alguien quiere envenenarle. Un mes más tarde, un grupo de treinta vecinos de Arles solicita el internamiento del "loco del pelo rojo" como le denominan, una vez más, en el hospital. La policía cierra la Casa Amarilla con todos sus cuadros. Tras abandonar el hospital, Vincent abandona su hogar y se instala en dos pequeñas habitaciones del doctor Rey. Las recaídas son cada vez más frecuentes y el propio Vincent desea ingresar en un sanatorio, lo que ocurre el 8 de mayo. Voluntariamente, se marcha al sanatorio mental de Saint-Paul-de-Mausole, cerca de Saint-Rémy, a 27 kilómetros de Arles. ¿Cuál era la enfermedad de Vincent? Exactamente desconocemos a qué se debían esas crisis y ataques, surgiendo múltiples hipótesis. La más certera sería una inestabilidad psíquica de carácter congénito, acentuada por el abuso del alcohol. No en balde el doctor le rebajará la dosis de alcohol a medio litro diario, indicándonos esta noticia que era un alcohólico empedernido. Lo que no es del todo cierto es que las crisis que sufre Van Gogh influyan en su pintura ya que Vincent sólo duerme cuando tiene un ataque, teniendo miedo a estas crisis porque no puede crear durante esas fases. Por lo tanto, decir que la obra de Van Gogh es el resultado de los ataques de locura de un esquizofrénico es totalmente falso. Más bien nos encontramos ante la visión de una persona muy sensible que sabe aplicar el color como nadie en su momento. Este encierro en Saint-Rémy le obliga a pintar lo que hay alrededor del hospital, tanto las habitaciones, la naturaleza o los propios internos. Después de varios ataques - en uno de ellos intenta tragarse las pinturas - Vincent recibe la noticia de que Theo va a ser padre, deseando que el pintor sea el padrino del futuro bebé. Lleno de emoción, quiere regresar al norte de Francia para poder estar más cerca de sus amigos. Ahora trabaja copiando obras de Millet o Delacroix porque tiene miedo a pintar al aire libre. Tras una conversación con Pissarro</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, Theo considera conveniente que Vincent se instale en Auvers-sur-Oise, en el noroeste de París, al cuidado del doctor Gachet</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">, famoso homeópata relacionado con los impresionistas. A fines de diciembre de 1889 sufre un nuevo ataque mientras está pintando e intenta tragarse las pinturas; una vez más el doctor le prohibe pintar, permitiendo la ejecución de dibujos. El 31 de enero de 1890 Johanna da a luz un niño al que se llamará como su tío, Vincent Willen. La noticia llena de alegría al pintor, que también se entera de la primera compra de un cuadro suyo - el Viñedo rojo</span><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"> - por parte de Anne Boch. En mayo de ese año viaja a París para conocer a su sobrino, pasando tres días en la ciudad, que le parece demasiado ruidosa e intranquila. Parte para Auvers, alojándose en una pensión primero y después en un Café. El doctor Gachet le cuida cariñosamente e incluso piensa que está curado, considerando que nunca más tendrá un ataque. Durante los dos meses que vivió en Auvers pintó más de 80 cuadros, demostrando estar en pleno éxtasis creador. El 6 de julio de 1890 Vincent va a París para ver a su hermano; le encuentra muy preocupado por su situación laboral, el problema de la vivienda y la enfermedad del pequeño Vincent. Se agobia por ser una carga para su hermano y temiendo un nuevo ataque, el 27 de julio sale al campo y se dispara con un revólver; regresa a su hogar y avisa a los señores Ravoux para que soliciten un médico al no encontrarse bien. Reconoce haberse disparado y los doctores le vendan la herida pero no extraen la bala. Enterado de la noticia, Theo parte para Auvers y pasa el día con Vincent, fumando ambos en pipa. El 29 de julio de 1890 fallece el primer genio de la pintura contemporánea. Curiosamente, su hermano Theo muere seis meses después en una casa de salud de Utrecht. Desde 1914 ambos hermanos reposan juntos en el cementerio de Auvers-sur-Oise. </span></div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-64020558805733593612011-04-22T04:05:00.000-07:002011-04-23T01:56:00.246-07:00Pablo Ruiz Picasso<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-m5rF5qeWz60/TbFebMnimaI/AAAAAAAAABk/02eRVm_xvbc/s1600/picasso+autoretrato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" i8="true" src="http://3.bp.blogspot.com/-m5rF5qeWz60/TbFebMnimaI/AAAAAAAAABk/02eRVm_xvbc/s1600/picasso+autoretrato.jpg" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www2.museopicassomalaga.org/home.cfm">http://www2.museopicassomalaga.org/home.cfm</a></div><div id="MainContainer"><div id="ListColumn"><div id="News"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><strong>Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispín Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso</strong>, este es el verdadero nombre del famoso <strong>Picasso</strong>, quien nació en el año 1881 en Málaga, España.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Este conocido pintor, dibujante y escultor español se ha iniciado en el mundo de la pintura a través de su padre, profesor de Bellas Artes.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Desde joven, <strong>Pablo</strong> ha sentido una gran atracción hacia la cultura Chavín en Perú, en la que se basaban muchas de sus obras. </span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Comienza a integrarse en el ambiente cuando <strong>Pablo </strong>colabora como dibujante en diferentes revistas catalanas y funda la revista<strong><em> “Arte joven”</em></strong>, y comenzando a expresar en la pintura de sus primeros cuadros.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Comienza un nuevo período para<strong> Picasso</strong>, en el cual, a causa del suicidio de un amigo suyo en Paris, descubre que su musa podrían ser el ambiente bohemio de las calles parisinas, que por cierto ha mostrado en sus cuadros. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Aquí muestra su estilo tan característico que esta vez se distingue al mostrar tonos azules y al representar personajes escuálidos con expresión trágica como en<strong><em> “Dama en Eden Concert”</em></strong> de 1903 o <strong><em>“Las dos hermanas”</em></strong> de 1904. </span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Cierra su período con su obra<strong><em> “Habitación azul”</em></strong><em>,</em><strong><em> </em></strong>en la cual muestra su paleta de colores. </span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Aquí en esta ciudad tan especial para el artista, <strong>Pablo</strong> conoce a su primera compañera, con quien viviría bastantes años y ha sido quien lo acompaña en cada una de sus obras. </span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En este período ha surgido la más inusual de su producción artística, la cual ha sido <strong><em>“Autorretrato”</em></strong>, que es la última obra en la que <strong>Picasso </strong>se siente identificado por el post-impresionismo. </span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Aquí los tonos rojizos dominan, oscuros o claros, en las distintas partes de cuadro. En esta obra <strong>Pablo</strong> no se detiene en los detalles de la forma de la cara, sino que pone más énfasis en los colores, jugando con los tonos para lograr más realismo al rostro. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Luego, al llegar 1906, <strong>Picasso </strong>por medio de sus nuevas obras muestra un gran cambio en su estilo al verse influido por el arte africano, así lo muestra con el retrato de<strong><em> Gertrude Stein</em></strong> y<em><strong> “Las señoritas de Avignon”</strong></em>, donde frente a la pintura trata la profundidad espacial y la forma de representación del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y ángulos.</span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Continuando en su trayectoria, <strong>Picasso</strong> muestra en sus siguientes obras, un modo de pintar neoclásico, como se denota en la <strong><em>Mujer sentada</em></strong> y <strong><em>La Griega</em></strong>, en donde muestra una pintura pura, con una afilada observación en los objetos de su taller, de modo intelectual. </span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Le han continuado: <em><strong>“El Retrato de Vollard”</strong></em> y <strong><em>“le guitariste”</em></strong> de 1910 y <strong><em>“El aficionado”</em></strong> de 1912. </span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;"><strong>Picasso</strong> luego manifiesta un período clásico, que podría dar comienzo en 1917, en el cual <strong>Pablo </strong>brinda la sensación de estar cansado de estructuras geométricas y y vuelve al desnudo monumental, al dibujo Ingrés, al equilibrio. </span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Lo que no representa en los años siguientes, ya que en su siguiente período a partir de 1928 las formas son distorsionadas, refiriéndose lo monstruoso, como lo muestra en sus pinturas destacadas:<strong><em> “Bañista en pie”</em></strong> de 1929, <strong><em>“Bañista al borde del mar” </em></strong>de 1930 y <strong><em>“El sueño”</em></strong> de 1932. </span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Ha continuado en su trayectoria artística con un estilo expresionista, en el cual ha logrado su famosa obra <strong><em>“Guernica” </em></strong>de 1937, esta es una composición en blanco y negro que proyecta los horrores de la guerra civil. </span><br />
<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">El punto de su estilo expresionista esta marcado por cabezas de dos caras, principalmente.</span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Luego de la Guerra Mundial, <strong>Pablo</strong> se traslada a Vallauris, en donde finaliza su obra comenzada en Paris, a pesar de estar plagado de nazis, su escultura<strong><em> “El hombre del cordero”</em></strong>, una pieza de 2,20 m de altura, la cual se sitúa en la plaza del mercado de dicha ciudad y, continuando con estrecha dedicación a la cerámica el artista realiza cerca de 2000 piezas. </span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Aquí en esta bella ciudad, la pareja ha tenido dos hijos, lo que ha generado una presentación de cuadros más infantiles y maternales, los que han sido seguidos por enormes murales como <strong><em>“La guerra y La Paz”</em></strong>,<strong><em> “Massacre en corée”</em></strong>,<strong><em> “La Baignade”</em></strong>.</span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">En sus ultimos años, el artista de gran prestigio ha pintado variaciones de temas célebres, muchos de sus últimas obras se han basado en las obras de los grandes maestros del pasado como <strong>Diego Velázquez</strong>, <strong>Eugenio Delacroix</strong> y <strong>Eduardo Manet</strong>. </span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Tal ha sido el reconocimiento del artista que en el año 1963, se ha inaugurado el <strong>Museo Picasso</strong>, en la ciudad de Barcelona, España; y unos años más tarde al cumplir 90 años de edad, <strong>Pablo</strong> ha sido merecedor de numerosos homenajes.</span><br />
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<span style="font-family: Verdana, sans-serif;">Finalmente el artista <strong>Pablo Picasso</strong> fallece en Notre-Dame-de-Vie, Mougins, Francia en el año 1973 a los 91 años de edad.</span></div><div id="ShareIconsContainer"></div></div></div></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Verdana, sans-serif;"></span></div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2184982134016643186.post-83657608628304014652011-04-09T12:29:00.000-07:002011-04-23T01:57:28.578-07:00Joaquín Peinado<div align="center"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-z1AYp5vHNrI/TaCyhjU6AKI/AAAAAAAAABg/-B_r7Gp4FL0/s1600/joaquin+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" r6="true" src="http://2.bp.blogspot.com/-z1AYp5vHNrI/TaCyhjU6AKI/AAAAAAAAABg/-B_r7Gp4FL0/s1600/joaquin+1.jpg" /></a></div><div align="center"><a href="http://www.museojoaquinpeinado.com/">http://www.museojoaquinpeinado.com/</a></div><div align="center"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Verdana; font-size: x-small;"> <span style="font-size: small;"><strong>Joaquín Ruiz-Peinado Vallejo</strong> nace en <strong>Ronda</strong> el 19 de Julio de <strong>1898</strong>. Muy pronto destacarían sus aptitudes para el dibujo, lo que hizo que se matriculara en <strong>1918</strong> en la <strong>Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando</strong>, siendo becado durante tres cursos en el Monasterio de Santa María de El Paular (1921-1923). En <strong>1923</strong>, una vez superados sus estudios, marcha a <strong>París</strong>, donde se establecería de manera continuada. Desde su llegada se integra en el mundo artístico, conformando junto a otros españoles como<strong> </strong>Manuel Ángeles Ortiz, Hernando Viñes, Francisco Bores, Pancho Cossío y Picasso -con el que mantuvo una especial amistad- la llamada Escuela Española de París. <br />
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Sigue manteniendo contacto con sus amigos de España, como Federico García Lorca, al que conoció en Málaga en 1918, y sobre todo, con Francisco García Lorca con el que se encontraba muy unido. Asimismo, continuaría formando parte de la vida artística española, participando en la mítica <em>Primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos</em> en 1925, e ilustrando las revistas <em>Litoral, Gallo y La Gaceta Literaria</em>, así como <em>La flor de Californía</em> de José María Hinojosa. La <strong>Diputación de Málaga </strong>le reconocería en <strong>1929</strong> con el premio de pintura junto a<strong> </strong>José Moreno Villa en la <em>Exposición Arte Regional Moderno </em>en la Casa de los Tiros de Granada. Mantendría relación con las artes escénicas, participando en <em>Un Perro Andaluz</em> (1929) y <em>La Edad de Oro</em> (1930) -de su amigo Buñuel- o como escenógrafo y figurante en<strong> </strong><em>Carmen</em> de Feyder (1925). Igualmente, y en 1926, participaría en la representación de <em>El retablo de Maese Pedro</em> de Falla en Ámsterdam junto a Buñuel, Cossío, Viñes y Ángeles Ortiz. <br />
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Su trayectoria artística lo llevaría a ocupar un puesto destacado dentro de la <strong>Escuela de París</strong>; sus méritos artísticos serían reconocidos ostentando los cargos de director de la <strong>Sección de Pintura de la Unión de Intelectuales Españoles</strong>, la vicepresidencia de la misma y el nombramiento por la <strong>UNESCO</strong> como delegado de la <strong>Sección de Pintores Españoles de la Escuela de París</strong>. <br />
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En <strong>1946</strong> sería uno de los organizadores de la exposición <em>Arte de la España Republicana. Artistas españoles de la Escuela de París</em>, celebrada en <strong>Praga</strong>. Desde esta fecha serán frecuentes sus exposiciones internacionales, ya sean individuales o colectivas, siendo agrupado dentro del mejor arte francés de la época. Del mismo modo y en paralelo a esta fecha (desde 1945) un estilo personal acompañará su vida, alternado con experimentos abstracto-geométricos donde se denota en la importancia del modelo, lo estricto del dibujo, la racionalización de lo representado y el uso del color con calidades de acuarela. En <strong>1969</strong> regresa a <strong>España</strong> gracias a la exposición en la <strong>Dirección General de Bellas Artes</strong> que consagra su figura en nuestro país. <br />
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<strong>Peinado</strong> es considerado pieza fundamental para la revisión del arte español contemporáneo y la llamada <strong>Escuela de París</strong>, así como por su acercamiento a lenguajes plásticos como el Neocubismo, la Figuración Lírica o la abstracción geométrica. <br />
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Muere en <strong>París</strong> el 13 de Febrero de <strong>1975</strong>. </span></span></div><br />
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</div>Eloy Casashttp://www.blogger.com/profile/16694168094220206903noreply@blogger.com0